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Cork Midsummer Festival – Parallel Cities 2012

Hélène Hoël — 2012-08-26T13:49:04Z

Pour ceux qui souhaitent découvrir Cork, seconde ville d'Irlande, juin est la période idéale. Non seulement les touristes y sont moins nombreux, mais le merveilleux Cork Midsummer Festival y prend place tous les ans. Cette dernière édition nous fit découvrir la ville sous un autre jour, mêlant tradition et modernité, artistes locaux ou d'ailleurs. La musique y prédomine, mais l'on vit aussi de la danse, des performances, du théâtre, et parfois un peu de tout ça en même temps. De quoi satisfaire les curieux en tout genre.

Ce qui fait la singularité de cette édition est la mise en place de Ciudades Paralelas – Parallel Cities. Cet ensemble de performances sous la direction de Lola Arias et Stefan Kaegi parcourt les villes du monde (Berlin, Buenos Aires, Varsovie, Singapour, ...) s'y installe quelques semaines et nous fait poser un nouveau regard sur les bâtiments de notre quotidien.

La bibliothèque de la ville, son hôtel, l'usine principale, son centre commercial ou encore ses toits, tous sont investis par les artistes. Bien que le concept reste le même, il s'adapte à chaque ville, à son identité et son histoire.

A Cork, Gerardo Nauman s'est donc intéressé à l'usine Barry's Tea, entreprise familiale fondée dans la ville en 1901. Dans Factory, le spectateur est invité à une visite guidée des locaux par les propres employés de l'usine. On y découvre les différentes étapes qui mènent à la création du célèbre thé irlandais et l'on entre dans les bureaux, l'atelier, l'entrepôt. Mais le sujet de cette visite est moins axé sur l'usine que sur ceux qui y travaillent, leur quotidien, ce pourquoi ils sont là, et ce qu'ils en rapportent.

Du directeur de l'usine, aux ouvriers, en passant par celui qui va chercher les plantes en Inde ou en Afrique, ceux qui empaquètent les sachets, et Rose la fleuriste qui observe en retrait cette chaîne, tous ont droit à la parole. Aucun d'eux n'est comédien, ils jouent ici leur propre rôle et le font avec une maladresse et une humilité touchante, comme celui qui a quitté son pays pour un emploi et cet autre qui dessine ses souvenirs de voyage sur fond de nuages gris.
Durant quelques heures, ils accueillent des étrangers mais ne s'interrompent pas pour autant dans leurs tâches, l'usine ne s'arrête pas pour nous.

Ce dispositif mène à une situation inconfortable : ils travaillent, nous regardons, passifs. Mais en observant cette mise en scène, on en vient à se demander qui est vraiment le spectateur de l'autre. Les visiteurs viennent perturber la routine des travailleurs, qui eux aussi nous observent avec curiosité, se demandant bien ce qui peut nous intéresser dans leur quotidien.

Gerardo Nauman, chef d'orchestre de cette visite singulière, donne la parole à ceux que l'on n'a pas l'habitude d'entendre. Il l'a met aussi joliment en valeur, déroulant un fil narratif à travers ces « Monsieur et Madame Tout le monde », et c'est émus qu'on les quitte.

Avec Factory, mais aussi Hotel : Chamber Maids, Shopping Center : The First International of Shopping Malls ou Library : The Quiet Volume (autres performances de Parallel cities), la vi(ll)e prend une tournure poétique. On traverse une forêt dans une chambre d'hôtel ou on joint un regroupement d'hurluberlus téléguidés au beau milieu d'une allée commerciale. Cette édition du Cork Midsummer Festival, c'était aussi des artistes de renommée et des spectacles/performances attendus qui ne laissèrent personne sur sa faim : Hungry Tea de Mark Storor, ou encore Rian chorégraphié par Michael Keegan Dolan et admirablement chanté par Liam Ó Maonlaí. Que le temps va sembler long à Cork avant juin 2013 !

Hélène Hoël, juillet 2012

Corona Cork Film Festival - 57th festival

Hélène Hoël — 2011-12-06T08:39:01Z

Après avoir passé le début de l'automne à Montréal et profité de la déferlante de festivals de cinéma qui s'y déroule chaque année (Fantasia, Festival des Films du Monde, un détour par le Festival de Toronto, et l'excellent Festival du Nouveau Cinéma), me voilà maintenant au Corona Cork Film Festival en Irlande !

On y trouve une programmation riche de productions irlandaises, mais aussi beaucoup de courts métrages, et une sélection de films expérimentaux assez unique. La première découverte pour moi fût la rétrospective consacrée aux frères Buharov (un pseudonyme, ils n'ont comme liens fraternels que leur collaboration et leur amitié). Leurs courts-métrages sont hypnotiques, avec des personnages aux allures étranges sortis de contes inconnus. Il y a de l'humour, du loufoque, mais ce qui s'en dégage peut aussi être angoissant. Les frères Buharov composent également la bande sonore de leurs films, et elle participe grandement à leur singularité.

Le deuxième temps fort du festival fut la projection du film muet Come on Over (1922), récemment acquis par The Irish Film Archive au Musée d'Art Moderne de New York. Cette comédie américaine sur l'immigration irlandaise offre une vision un peu idéalisée de ce qui continue d'être une réalité en Irlande, mais pointe toutefois les vrais problématiques liées à l'immigration. On trouve aussi des scènes en prises de vues réelles de l'Irlande et des rues de New York, ce qui est toujours captivant et étrange à la fois. Mais surtout la projection eut lieu à Triskel Church, une église aménagée en salle de cinéma, et accompagnée de joueurs de musique traditionnelle irlandaise. Il ne manquait alors plus que le bonimenteur et l'immersion dans un cinéma des années 20 aurait été totale.

Enfin, la perle du festival fût pour moi, The Baron d'Edgar Pêra. Un OFNI, une énième adaptation filmique du Dracula de Bram Stocker, mais tellement différente de ce qu'on a vu précédemment. Pour ceux qui aime l'univers déluré et foisonnant de Guy Maddin, Edgar Pêra est son cousin portuguais ! D'ailleurs, Guy Maddin s'était lui aussi prêté au jeu de l'adaptation du fameux roman avec Dracula, pages tirées du journal d'une vierge. Le réalisateur canadien avait alors proposé une version expressionniste, chorégraphiée et dansée par le Ballet de Winnipeg. On retrouve chez Edgar Pêra une utilisation subtile du noir et blanc, des surimpressions, et des prises de vues vertigineuses, mais surtout un humour décalé que l'on a rarement vu dans les adaptations du mythe. La scène des brigands chantant pourrait devenir culte. Pêra fit aussi un travail jusqu'alors jamais observé avec les sous-titres du film, qui deviennent partie intégrante de l'image. Un véritable travail pictural, difficilement descriptible et donc à voir !

Hélène Hoël, le 15 novembre 2011

Keyhole de Guy Maddin-Toronto Film Fest

Hélène Hoël — 2011-09-18T02:11:43Z

L'Odyssée entre quatre murs, personne d'autre que Guy Maddin n'aurait pu l'inventer ! Pour les néophytes, vous découvrirez l'univers fantasque et onirique de ce cinéaste canadien hors norme, dont chaque film nous plonge dans un monde à part, où les genres et les mythes se mêlent. Dans Keyhole, le gangster Ulysse Pic, accompagné de ses acolytes, retourne dans sa maison familiale après des années d'absence. Dans l'optique de retrouver sa femme Hyacinthe (Isabella Rosselini), il part en expédition de pièce en pièce, une fouine empaillée à l'épaule et trainant un adolescent ligoté. Ulysse croise toute une clique de personnages loufoques et étranges, membres ou pas de sa famille oubliée. Mais sont-ils tous réels, ou peut-être, s'agit-il simplement de fantômes ? Surimpressions, montage frénétique, irruptions quasi-subliminales de la couleur, et thématiques de la famille, on retrouve ce qui a fait la marque du cinéaste. L'Odyssée de Maddin n'a rien d'une aventure aux grandes distances, mais est clairement un voyage intérieur. Ulysse épie à travers les trous de serrure, demande à ce qu'on lui ouvre, mais la porte n'est jamais vraiment fermée à clé. N'arrive à destination que celui qui le souhaite vraiment...

WAR DON DON, documentaire de Rebecca Richman Cohen au Festival International des Droits de l'Homme de Paris

Hélène Hoël — 2011-07-02T23:39:17Z

En partenariat avec la revue Altermonde, le Festival International des Droits de l'Homme de Paris propose des projections mensuelles suivies de débats avec des intervenants. Ce mois-ci fut présenté le film primé à la dernière édition du festival, WAR DON DON (« la guerre est finie » en sierra-léonais). Ce documentaire de Rebecca Richman Cohen relate le procès de Issa Sesay, chef rebelle du RUF (Revolutionnary United Front) à la Cour spéciale pour la Sierra Leone. De 1991 à 2001 des centaines de milliers de Sierra-Léonais furent massacrés lors de la guerre civile menée par les rebelles du RUF, un groupement armé venu du Liberia.

La séquence d'ouverture du documentaire ne laisse aucune chance à l'accusé, Issa Sesay, l'ancien chef rebelle. L'avocat de la défense y énumère les faits reprochés : viols, massacres, mutilations, enrôlements d'enfants soldats... Et pourtant, rapidement la réalisatrice choisit de ne pas montrer qu'une seule facette de ce conflit. « C'est un film sur le métier d'avocat » dira l'un des intervenants à la suite de la projection. En effet, les différentes étapes du procès nous sont montrées, les choix stratégiques des avocats et la difficulté que peuvent avoir ceux de l'accusé à le défendre. Issa Sesay est le dernier haut responsable du RUF en vie, tout l'accuse ; et même des circonstances atténuantes non négligeables (il a notamment permis un retour à la paix), ne semblent lui permettre d'avoir une peine allégée. Le point de vue de la défense dans le cadre de crime de guerre est rarement abordé. Il permet de redonner ici à Issa Sesay une certaine humanité, sans que les victimes ne soient pour autant laissées de côté. Une des réussites de ce documentaire tient certainement dans les scènes en dehors du tribunal, où la réalisatrice vient à la rencontre des Sierra-Léonais, encore marqués par ce lourd conflit. On les voit mutilés et traumatisés, suivre le procès d'Issa Sesay, suspendus au verdict de la Cour.

Si vous souhaitez obtenir plus d'infos sur le film ou sur la réalisatrice ou l'équipe du festival, écrivez-nous !

Portraits de femmes à Cannes

Hélène Hoël — 2011-06-05T06:46:35Z

Jeanne Captive de Philippe Ramos – Quinzaine des Réalisateurs
L'Apollonide, Souvenirs de la maison close de Bertrand Bonello – Sélection officielle
Martha Marcy May Marlene de Sean Durkin – Un Certain Regard

De passage éclair à Cannes, le temps d'un week-end, le hasard des programmations fait que trois films de trois sélections distinctes retiennent mon attention. Tous sont des portraits de femmes, prisonnières, malmenées par des hommes, et rendent compte d'une triste évolution (ou absence d'évolution) : la femme est encore loin d'être l'égale de l'homme. Ces films nous la montrent suspecte car trop libre, interdite d'émancipation ou pire, objet de marchandise.

Jeanne Captive de Philippe Ramos (Quinzaine des Réalisateurs), L'Apollonide, Souvenirs de la maison close de Bertrand Bonello (Sélection officielle) et Martha Marcy May Marlene de Sean Durkin (Un Certain Regard) ont autant de différences que de point communs. Ils se déroulent chacun à des époques différentes. Jeanne Captive raconte la dernière année de Jeanne D'Arc (Clémence Poésy), de sa vente aux Anglais par Jean de Luxembourg, à sa mort en passant par son jugement. L'Apollonide nous montre le quotidien d'une maison close du tout début du XXème siècle. Quand à Martha Marcy May Marlene, on y suit la jeune Martha (Elizabeth Olsen), dans l'actuel état de New York, qui, venant tout juste de s'échapper d'une secte, peine à retrouver une vie sereine.

Ces femmes sont toutes prisonnières, physiquement et/ou mentalement. Jeanne est abandonnée de Charles VII qu'elle a fait Roi. Elle est prisonnière, captive des Anglais certes, mais elle se mure aussi dans le silence, depuis qu'elle n'entend plus ses « Voix » qui la guidaient jusque-là. Dans L'Appolonide, nous sommes confinés dans une maison close, très peu de scènes en extérieur, de respiration. Les prostituées ne peuvent en sortir qu'accompagnées sous peine d'être accusées de racolage. Et d'ailleurs, peuvent-elles réellement en sortir ? Défigurées, malades à en mourir, ou pour se rendre dans une autre maison close, vendues avec leurs dettes, elles semblent à tout jamais prisonnières de leur profession. Martha, elle, est prise dans les rouages d'une secte particulièrement sexiste. Les femmes prennent leur repas séparément des hommes, après eux, en attendant dans la cuisine. Elles doivent subir un viol comme rituel d'intégration au groupe, le tout encouragé par les autres jeunes femmes endoctrinées. Lorsqu'elle fuit cette secte pour être recueillie par sa soeur, Martha est complètement déconstruite, dans l'incapacité de dire ce qu'elle a vécu. La jeune femme se trouve alors prise dans une spirale de paranoïa. Elle pense être pourchassée et suivie par ses anciens gourous. D'ailleurs, ne le serait-elle pas réellement ? La mise en scène de Sean Durkin nous en fait douter. Le passé et le présent de Martha se mêlent, s'ajoute à cela des rêves, et le spectateur se retrouve embarqué dans les doutes de la jeune femme.

Jeanne Captive et L'Appolonide adoptent, eux au contraire, des points de vue multiples. Comme dans son précédent film, Capitaine Achab, Philippe Ramos a choisi de dresser le portrait de Jeanne à travers le regard de ceux qui ont croisé sa route, et il s'agit exclusivement d'hommes. D'ailleurs, Ramos dit lui-même qu'il pourrait résumer Jeanne Captive, par « C'est Jeanne et les Hommes ». Et ces hommes justement, ont du mal à se situer face à cette femme, messagère de Dieu pour certains, sorcière pour d'autres. Pour appréhender cette Jeanne « sur-femme » ou pour se rassurer quant à ses pouvoirs quasi divins, tous ces hommes n'auront de cesse de la manipuler, de la toucher, comme pour se rappeler qu'elle est bien constituée de chair et de sang. Le médecin panse ses plaies et tâte ses membres, les soldats l'enchaînent, le prêtre cherche à la rhabiller de vêtements de femmes. Ce qu'elle refusera et qui l'enverra à l'échafaud. Un acte de résistance : ne pas vouloir porter les vêtements qui la réduisent à sa seule condition de femme.

Les jeunes femmes de L'Apollonide, elles, se plient au moindre fantasme de l'homme, mimant une poupée désarticulée ou jouant la Geisha. Certaines s'en échapperont, d'autres resteront à jamais marquées de ces tristes jeux, comme Madeleine (Alice Barnole), dont le sourire a été sadiquement élargi au couteau. Dans ce film, Bertrand Bonello cherche à peindre un portrait d'une maison close du début XX siècle à travers plusieurs prismes. Il y a celui de la politique, Marie-France (Noémie Lvovsky), la tenancière, cherche un soutien auprès de politiciens afin de maintenir ouvert son établissement. Mais l'on trouve aussi un point de vue social, comme dans la scène de la visite médicale, ou celle plus terrible où Samira (Hafsia Herzi) tombe sur un ouvrage « scientifique » qui décrit le cerveau des prostituées d'un diamètre inférieur à la normale et comparable à celui des criminels. « L'image de la prostituée nous vient toujours du regard des hommes, dit Bertrand Bonello, ce sont les peintres ou les écrivains qui allaient au bordel, et le décrivait à travers un tableau ou un livre. Le point de vue de la prostituée elle-même est extrêmement difficile à trouver. » Pourtant ce film, semble rendre avec une quasi exactitude la vie d'une maison close, et défendre le point de vue des prostituées. Des scènes particulièrement bien documentées, aux personnages pleins de désillusions et résignés à leurs causes, s'ajoute une mise en scène superbe, jamais vulgaire. Une réelle déception que ce film ne figure pas au palmarès de cette 64ème édition du festival de Cannes.

Ces trois films sur la condition de la femme sont aussi trois regards d'hommes posés sur celle-ci, et l'on ressent une réelle empathie pour chacune de ces « femmes captives ». Mais rien n'est totalement fermé, ni leur avenir, ni leur cause. Finalement, le choix de Jeanne n'était-il pas de suivre ses convictions jusqu'à la mort (Philippe Ramos débute même son film par sa supposée tentative de suicide) ? Martha a réussi à fuir la secte qui la retenait, il ne lui reste qu'à se reconstruire. Quant aux prostituées de L'Apollonide, même si leur futur semble moins optimiste, l'une d'entre elle, la jeune Pauline, s'en sort.