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Our Homeland de Yang Yoghi - Paris Cinéma 2012

Kwet — 2012-07-15T07:40:20Z

Une famille coréenne, immigrée au Japon depuis des années, voit revenir pour des raisons de santé le frère ainé qui avait été renvoyé en Corée du Nord lors de son adolescence. Il n'a le droit qu'à quelques mois en dehors du territoire coréen, pour pouvoir se soigner au Japon, et devra retourner là-bas dès que son autorisation expirera ou que le gouvernement en décidera autrement.
Et lors de cet instant, de ces quelques jours où la famille est enfin réunie, se jouent des centaines de combats personnels, intimes, familiaux, mais aussi politiques et idéologiques. Car entre l'idéologie radicale de la Corée du Nors et le libéralisme débridé du Japon c'est l'incompréhension et l'affrontement constant.

Ces oppositions se répercutent ainsi à l'échelle de la famille, dans le drame qui se noue de l'absence forcée du frère, des parents attachés aux valeurs de leur pays d'origine et qui se retrouvent empêtrés dans des devoirs envers une nation qu'ils ont quitté depuis plus de 20 ans, de la révolte de la petite sœur élevée au Japon et qui se déchire entre ce qu'elle ressent face à cette idéologie extrême et les devoirs qu'elle a envers sa famille. Les conséquences de ses actes pouvant avoir de graves conséquences sur la vie de son frère mais ne pouvant pas pour autant accepter ce qu'on lui fait subir, elle se débat avec elle-même, avec son frère, avec les autres, pour comprendre pourquoi et comment ils en sont arrivés là, et pourquoi elle devra laisser repartir son frère vers ce pays qu'elle hait tant.

Film très touchant, à fleur de peau, où le moindre détail compte, Our Homeland est autobiographique pour la réalisatrice, et c'est ce qui le rend encore plus important. Important parce que cela se passe loin de chez nous et que pourtant ce qui se noue peut être tellement proche, important parce qu'il parle aussi de peuples entiers que l'on oblige à vivre loin de leurs pays d'origine, et que cela fait partie de l'actualité la plus intime de notre monde où les frontières sont si poreuses. Important parce qu'au-delà de la nationalité , il parle de cet endroit où l'on se trouve « Chez Soi », cet endroit où l'on sait que l'on veut retourner, avec les gens avec qui l'on veut vivre, et qui n'a rien à voir avec la nationalité et les problèmes géopolitiques.

La réalisatrice nous a parlé d'un film très silencieux, en nous demandant de ne pas nous endormir, mais je me dois de la contredire : impossible de s'endormir devant ce film et ses images qui résonnent plus par leurs silences, par les moments de vide entre les gens, par les regards sans mot dire que la famille partage, que certains films gravés de musique pour nous dire où ressentir quoi. Ici l'émotion est évidente et nous laisse traversés par elle encore longtemps après le générique de fin.

Guilty of romance de Sono Sion - Paris Cinéma 2012

Kwet — 2012-07-09T03:58:47Z

Le distributeur a présenté la séance en précisant que la version longue sera diffusée au festival mais la version qui sera présentée au ciné est coupée : à cause d'un problème de contrat avec l'une des actrices au Japon, la version qui sera diffusée en France tournera principalement autour de 2 femmes seulement et non 3 (dans la version longue). Ce film fait partie d'une trilogie, la trilogie de la haine.

C'est donc la version longue du film de Sono Sion que le festival Paris Cinéma nous a permis de voir ce soir, privilège appréciable tant il semble que le film ne soit complet qu'en retraçant l'histoire croisée de ces trois femmes.
La première, inspectrice de police, enquête sur un meurtre particulièrement dérangeant : les morceaux d'un buste découpé en deux sont retrouvés dans un taudis, mis en scène de façon macabre. Tandis qu'elle va devoir gérer de front l'enquête et les complications de sa vie privée, on suit en parallèle la femme d'un célèbre écrivain qui se perd entre sa recherche de perfection et ses besoins et envies refoulées. Dans sa dérive elle va rencontrer une autre femme, qui l'entrainera toujours plus profondément dans ses délires et la folie.
Du Japon, on ne voit dans ce film que les frustrations et les excès poussés à l'extrême. Chacune de ces trois femmes donne une image d'une perfection rigide au monde, mais se perd dans l'excès et la démence quand il s'agit de sexualité. Le film suit la descente aux enfers de l'une d'elle, les hésitations adultères d'une autre, et l'implosion violente et meurtrière de la dernière.

Si je considère que c'était une chance de pouvoir voir cette version longue, c'est bien parce que ces trois femmes et leurs histoires croisées me semblent indissociables les unes des autres, tant elles se complètent et s'éclairent entre elles. Cependant la violence des relations, de la sexualité et du regard porté sur l'humain est difficile à supporter sur toute la longueur du film. Cette même violence empêche pourtant de décrocher, et l'on subit parfois la dureté de l'image plus qu'on ne l'apprécie pour sa poésie. Car la poésie est omniprésente dans le film, tant par la relation qu'entretiennent les personnage avec le monde de la littérature que par la réalisation et les images que Sono Sion fait défiler devant nous.

C'est donc comme un long poème en prose, violent, percutant et dérangeant que l'on voit Guilty of Romance, le genre dont on ne peut détacher ses yeux et ses oreilles même lorsqu'il nous pousse vers des endroits que l'on ne voudrait pas aborder. Le genre qui résonne encore longtemps après devant nos yeux.

Todd Solondz Dark Horse -Première à Paris Cinéma

Kwet — 2012-07-03T23:57:56Z

On a tous dans notre entourage cette personne qui est pour nous le loser absolu. On l'aime quand même mais bon. Un jour il faudra qu'on lui dise qu'il parasite.
On a tous dans notre entourage cette fille complètement dépressive, qui semble porter tout le poids de sa vie et des malheurs de celles des autres sur les épaules. On l'aime quand même mais bon, c'est pas la plus drôle en soirée.

Et bien là, ces deux-là se rencontrent.

Et s'en suit une cascade de situations délirantes, grotesques et invraisemblables, et pourtant si quotidiennes et même parfois tragiques. Todd Solondz en présentant le film nous avait prévenu : c'est la comédie la plus triste qu'il ait faite.
Et on passe effectivement par tous les états possibles face à Abe, ce grand bonhomme à qui l'on adresserait peut-être même pas la parole s'il se présentait à nous, tant il est insupportable, tant il est extrême et totalement perdu. Mais c'est aussi pour toutes ces raisons qu'on le suit et que l'on rit, et c'est toujours pour ces raisons qu'on finit par s'attacher et par s'émouvoir.

L'humour est noir et grinçant, l'image est toujours juste et colorée, mêlant les délires à la réalité avec une fluidité étonnante, et les acteurs excellents, avec une mention toute personnelle à Selma Blair que j'ai vraiment découverte ici, et à Christopher Walken qui arrive à se glisser là où je ne l'attendais absolument pas !

Un jour au festival Silence On Court

Kwet — 2011-05-15T14:08:44Z

Le festival Silence on court s'est déroulé du 26 au 29 avril dernier, entre le cinéma de Nanterre Université et le Forum des Images, en passant par le studio Galande, et j'ai eu la joie et l'allégresse de pouvoir y assister en partie.
Ce Festival est ouvert à de jeunes cinéastes, encore étudiants ou à leurs débuts, et chaque séance permettait aussi au public de rencontrer les producteurs et/ou réalisateurs de certains de ces courts métrages, tous différents les uns des autres.
Petite revue d'une de ces séances...

C'est au sein du campus de Nanterre Université, qui les accueille depuis la création du festival, que j'ai assisté à la diffusion de 9 courts métrages, et je me suis régalée tant ce qui était proposé était divers et de qualité. Du film poétique à l'engagement politique, en passant par le documentaire, du land art à l'animation 3D ou stop motion, on peut bien suivre ces 3h sans s'ennuyer.

Peut-être parce que c'est le premier que j'ai pu visionner, ou bien peut-être est-ce mon humour noir qui l'a emporté mais mon coup de cœur est allé à « Au revoir Bonaventure », de Raphaël Rivière. Bien que très sombre au niveau de l'image, cette histoire de rencontre autour d'une tentative de suicide sur une voie de train m'a touchée et beaucoup fait rire. On attend sur cette voie un train qu'on ne veut pas rater, le dernier train à ne pas rater, et puis se pose la question de qui était là en premier. Alors on s'explique et on se raconte, on se retrouve avec un point commun étrange : la vie ne vaudrait pas la peine d'être vécue, donc autant s'arrêter là. Sans pathos pour autant, avec juste la légèreté et l'évidence de celui qui va chercher son pain ou ouvrir une porte. On finit par rater le train et c'est pas plus mal, et après le film on se dit que même suicidaire, c'est chouette de vivre pour rencontrer aussi. Un scénario léger, bien écrit et servi par des comédiens touchants, il ne m'en fallait pas plus pour bien commencer ma soirée.

Le second film, un court-métrage d'animation franco-ukrainien de Anatoliy Lavrenishin, « Le Corbeau Blanc », raconte dans un univers noir et blanc l'histoire d'un maillon humain d'une chaîne qui, réveillé par un corbeau blanc, va chercher à se sortir de la routine et de l'uniformité dans laquelle il s'était plongé avec ses semblables, mais finit toujours par recréer le même genre d'univers qu'il cherche à quitter. Une critique de la nature humaine, narrée par des dessins enfantins, qui ne font que faire ressortir d'autant plus la cruauté de ce cycle infernal, et qui ne perd pas son souffle. On se laisse facilement aller à suivre toute cette petite bande.

« Mine de rien », de Morgann Martin, est une première collaboration avec son producteur et aussi un film de fin d'étude, qui raconte l'histoire de Régis, qui réalise la monotonie de sa vie le jour où on lui vole son paillasson. D'une idée de départ très chouette et décalée, on part dans une suite de petites aventures délirantes qui finalement le ramèneront presque à son point de départ. Je me suis quand à moi un peu perdue dans tout ce brouillon de bonnes idées, mais hélas le peu de temps d'un court métrage ne permettait pas de les développer toutes comme elles le méritaient.

Second film d'animation de la soirée, cette fois ci en 3D, « Mortys » nous conte la dispute entre La Mort, le grande faucheuse ou comme vous voulez l'appeler, et son fils, adepte des nouvelles technologies qui ne comprend pas que sa mère refuse de se faciliter le travail pour passer plus de temps avec lui... De l'humour gentiment noir, grinçant et mignon, qui m'a bien plu et m'a laissé un grand sourire aux lèvres.

« Lel Chamel (Vers le Nord) » de Youssef Chebbi, était le film engagé de ma soirée au festival. Peut-être aussi parce qu'il ne se veut pas engagé, qu'il parle juste d'une réalité, celle de Tunisiens qui cherchent à aller vers le nord, celle de rumeurs de trafic humain, celle de la difficulté qu'on peut avoir à s'en sortir même quand tout va bien, et d'une violence qui peut devenir ordinaire. Ce film parle juste d'une nuit, et ne se veut pas un film social, et c'est peut-être aussi pour ça que tous ces messages passent d'autant mieux, grâce à cette simplicité et aussi à cette sincérité qui en ressort.

Autre coup de cœur pour ma part ce jour-là, le très court « Le Rejet », de Antoine Lareyre. Pas forcément facile à regarder, ces quelques minutes où une jeune femme seule, prise de vomissements, va finir par expulser littéralement et physiquement des objets, plus ou moins symboliques, énormes et irréels dans cette situation qui s'avère presque gore... Film tourné en une journée, monté quasiment en direct, le film ne se veut pas une critique facile (de nombreux attributs religieux sont parmi les objets rejetés) mais plus un discours au second degré qui présente la religion comme une cure de médicament dont il faudrait se purger au bout d'un moment, et s'en purger dans la douleur. Tout ça sur un petit air de Brassens qui nous rappelle qu'on ai 20 ans ou qu'on soit grand-père... enfin vous connaissez la suite ! J'aime les films qui me font réagir autant physiquement qu'intellectuellement, et « Le Rejet » a bien rempli son contrat. Je dois aussi avouer qu'entendre parler des conditions assez « libres » et instinctives du tournage a dû jouer dans mon coup de cœur, mais c'est certainement parce que j'ai retrouvé cette énergie dans le film même.

« Miscellanées » de Anne-Lise King tient de la performance, du Land Art, et porte bien sa définition de poésie filmée. Très court mais plein d'images de nature à la limite du féérique, cette sorte de fresque en stop motion m'a fascinée et j'aurais pu rester là à regarder continuer le film pendant des heures, comme absorbée dans un tableau vivant. Très technique et d'une réalisation précise et soignée, la poésie se trouve pourtant dans la douceur et la lenteur du changement de cette nature, et la féérie la traverse quand l'artiste intervient dessus, comme en secret.

L'histoire de « Son va-et-vient » de Lucrèce Carmignac est certainement connue de tous et va creuser là où l'on se souvient avoir été, plus ou moins vaguement, plus ou moins profondément. C'est l'histoire d'un après rupture, et du vide et du manque, vécu par une jeune femme qui va tourner en rond longtemps avant de réussir à combler ce creux. Même avec des textes aussi beaux que ceux cités (et on sait, enfin moi je sais combien j'aime entendre la parole de Koltès), j'avoue ne pas être très fan de la voix off en général, et selon moi de longues minutes auraient pu s'en passer largement, tant l'image se suffisait à elle même.

Le dernier film de cette soirée fut « Like Love », documentaire de Sarah Cunningham, qui raconte l'amour entre Jacob et Ramona, une artiste et un philosophe, elle bien portante et lui handicapé après être tombé du mauvais côté de la piscine. Des images douces toujours, amères parfois, mais jamais de leur part, c'est ce que j'aimerais retenir de ce film, qui a été tout de même un peu long à mon goût. Mais il est vrai qu'il est difficile de choisir quelle image l'on devrait couper, surtout quand il s'agit d'une réalité qui est aussi belle à regarder.

En conclusion, je dois dire que j'ai passé un très agréable moment, loin du cliché des festivals très fermés de courts-métrages. En effet, l'ouverture ressentie dans la programmation, dans l'accueil et dans les échanges autour du festival Silence On Court met le public à l'aise, et je vous conseille de ne pas rater la prochaine édition !

Pour infos, détails, contacts supplémentaires concernant l'équipe ou le film veuillez nous contacter directement par mail ou laisser un commentaire.

HERO CORP

Kwet — 2011-04-11T13:02:51Z

En France, les fans de séries télé se sont fait une raison : la plupart des bonnes séries ne sont pas de chez nous. Le paysage télévisuel français a effectivement tendance à nous fournir une quantité incommensurable de choses inqualifiables en prime-time, sous prétexte que ça plait à l'audimat, monstre vénal pour qui le mot scénario n'est qu'un lointain et vague souvenir...
Heureusement ces dernières années ont vu éclore plus ou moins difficilement quelques perles, et Hero Corp en fait définitivement partie.

L'histoire commence quand John (Simon Astier) débarque dans un petit village perdu en Lozère afin d'assister à l'enterrement de sa tante Mary (Agnès Boury). Mais ce village n'est pas un simple coin perdu, ses habitants sont loin d'être de classiques villageois, et sa tante n'est pas aussi morte qu'annoncé... En effet, cet endroit est en fait un lieu de retraite pour Super-Héros vieillissants ou défaillants, ou aspirant tout simplement à retrouver une vie plus calme suite à la grande guerre qui vit s'affronter les Super-Héros de l'agence Hero Corp et les Super-Vilains.
Et justement, le plus grand d'entre eux, le terrible The Lord, a réapparu alors qu'on le croyait mort, et il semblerait que John soit destiné à le combattre et à sauver les villageois qui ont pour seule défense leurs pouvoirs tout moisis... John va devoir tout apprendre sur les Super-Héros (en composant avec leurs personnalités ... particulières !) et sauver le monde alors qu'il n'avait jusque là aucune idée de l'existence même de tout ça !

La série compte deux saisons, la première diffusée en octobre 2008 sur Comédie ! et en juillet 2009 sur France 4, la deuxième en janvier 2010 sur Comédie ! et juillet 2010 sur France 4. Si vous avez raté leur diffusion, je ne saurais que trop vous conseiller de vous jeter littéralement sur les dvds de cette petite merveille. Simon Astier et Alban Lenoir ont créé là une série drôle et très bien faite, servie par des acteurs toujours justes, drôles et même émouvants. Inspirée de l'univers BD et comics, les codes du genre sont là, des identités secrètes aux costumes délirants en passant par les poses « regard au loin et port de tête héroïque » et les pouvoirs plus ou moins puissants, plus ou moins utiles d'ailleurs... On retrouve d'ailleurs même la forme des comics dans les génériques et dans la série sous l'aspect d' « archives historiques » d'Hero Corp.
Malgré un très grand succès rencontré notamment sur internet, le producteur Comédie ! ne semblent pas enclin à poursuivre avec une 3e saison, prétextant trop peu d'audience (et tandis que revoilà ce vilain audimat), mais Simon Astier a affirmé vouloir aller au bout de son histoire quelque soit la forme qu'elle prendrait.

Comme tous les fans j'attends ça avec une impatience non dissimulée, car cette série fait partie de celles qui m'ont réconcilié avec la télévision française, comme Kaamelott (encore un Astier tiens, je pense qu'on peut envisager une étude très scientifique sur le gène du talent).

Santiago 73 Post Mortem (sortie le 16 février 2011)

Kwet — 2011-02-06T12:53:44Z

De ce qui se passa en 1973 au Chili, il en est question et il n'en est pas.
Du coup d'état de Pinochet et des horreurs qui s'en suivirent on en entend parler et l'on en entend rien non plus.
De la folie des hommes et d'un homme en particulier, on en discute et ça ne se discute pas.

Pablo Larraìn nous explique qu'il n'a pas réalisé ce film comme une leçon d'histoire, qu'il ne cherche pas à dénoncer en particulier les événements, parce qu'il n'en est pas besoin. Le Chili est un pays marqué par cette période, et même né après les événements, on a eu de cesse de lui expliquer, à lui comme à tous, de lui raconter ce qu'il s'était passé, les disparus et les morts, les 3000 personnes dont on ne sait toujours pas ce qu'il est advenu, et qui sont peut-être là, sous ses pieds, lorsqu'il tourne dans une rue déserte de Santiago.

Ce que l'on voit clairement par contre c'est Mario Cornejo. Mario et sa vie pas folichonne, Mario fou amoureux de sa voisine Nancy, Mario qui retranscrit les rapports d'autopsie, Mario bizarrement atone sauf à de très rares occasions. Et puis d'un coup, Mario qui se retrouve devant le cadavre de Salvador Allende. Mario qui décide que son histoire avec Nancy devient réelle. Mario qui n'a pas l'air de vraiment voir ce qui se passe, même si les cadavres s'amoncellent dans sa morgue, Mario qui change malgré lui, qui change parce qu'il est monstrueusement amoureux ou qui change parce que l'époque se veut créatrice de monstres ?
De l'Histoire avec un grand H, on ne voit que des fragments, des petits bouts qui nous laissent imaginer le reste, les recoller nous même, car ce n'est pas la question.
La caméra fixe nous oblige à la même chose pour les décors, les personnages, les images. Des bouts de tête, d'épaules, des dos, des fenêtres qui donnent sur des images trop lointaines ou trop floues, mais toujours ces morceaux font sens, rien ne nous est caché mais rien ne nous est offert sur un plateau, on a l'impression que l'époque nous rattrape, que l'on fait vraiment partie de ce qui se passe comme un témoin silencieux et invisible, mais qui a ses limites humaines et doit, pour comprendre les choses, faire l'effort de deviner ce qui n'est pas directement dans son champ de vision.

L'idée du film est partie du vrai rapport d'autopsie de Salvador Allende, où sont mentionnés 2 médecins célèbres au Chili et un certain Mario Cornejo, total inconnu. Qu'a bien pu faire cet homme pour qu'on l'oublie si vite alors qu'il était présent à un événement d'une telle ampleur ? Le vrai Mario Cornejo n'a bien entendu rien à voir avec le personnage du film, mais cette question a lancé Pablo Larraìn dans un film dense et prenant, qui n'a besoin d'aucun artifice pour montrer sa force. On y parle d'amour comme on n'en parle pas souvent, on y parle pas de la guerre et pourtant c'est présent, la finesse des acteurs et de l'action nous emporte sans problème et nous questionne.
Certains trouveront ce film peut-être lent, et penseront que cela manque d'action, alors que je pense quand à moi que chaque battement de cil de Nancy face à Mario renverse le monde tel qu'il l'a connu, que chaque geste de ce dernier est précisément calculé dans une économie de vie telle que tout va justifier qu'il vit effectivement sa vie post mortem.

Dir : Pablo Larraín, 2010

The Rocky Horror Picture Show (1975)

Kwet — 2011-01-23T11:57:16Z

Réalisé par Jim Sharman, avec Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Botswick, etc...

Il y a parfois des films qui vous semblent tellement géniaux et mythiques qu'on en oublierait presque qu'il est possible que certaines personnes sur Terre n'en aient jamais entendu parler. The Rocky Horror Picture Show (RHPS pour les intimes) est de ceux-là pour moi.

Issu du mouvement des Midnight Movies des années 70, (ces films créés pour les séances de minuit ou plus tard, car trop subversifs voire choquants pour les yeux de la classe américaine moyenne), ce film musical adapté de la comédie musicale du même nom créée à Londres en 1973 a été, à mon grand étonnement, un échec spectaculaire au moment de sa sortie. Jugé trop simple, avec trop de références sexuelles (ce qui de nos jours devrait garantir le succès de n'importe quel film), il fut tout de même le premier de ces midnight movies à être produit par une major, et bénéficie d'un très large réseau de fans à travers le monde qui l'ont élevé au rang de film culte, ce qui lui permet, plus de 35 ans après sa sortie, d'être toujours à l'affiche de nombreuses salles dans le monde entier. Ainsi en France, le studio Galande dans le 5e arrondissement de Paris (studiogalande.fr) le programme ainsi les vendredis et samedis soirs, accompagné de 2 troupes qui en présentent leur propre interprétation pendant la projection (à conseiller aux fans qui connaissent déjà bien le film pour en profiter).

L'histoire, parodie des films d'horreur et de science fiction, peut à peu près se résumer ainsi :
Janet et Brad, alors qu'ils vont rendre visite à leur ami le professeur Scott pour lui annoncer leurs fiançailles, sont pris dans un violent orage. Un pneu crevé les oblige à s'arrêter demander de l'aide dans un bien étrange manoir, où ils sont accueillis par les étranges domestiques Magenta et Riff Raff qui les entraînent dans les festivités décadentes et délirantes qui s'y déroulent. Là ils font la connaissance du Dr Frank-N-Furter, travesti qui dit être « from transexual Transylvania », véritable maître de cérémonie du manoir, et qui va les pousser à rester pour la nuit. Durant cette nuit ils vont créer un apollon blond et naïf du nom de Rocky, manger du motard, se révéler d'une sexualité décomplexée, tout ça pour découvrir que Frank est en réalité un extraterrestre de la planète Transylvania, que ses domestiques vont finir par punir pour n'avoir pas su conquérir ce monde.
Tout se déroule dans une ambiance musicale Rock n'roll, le film pourrait même s'avérer le premier du genre Glam-Rock dans son exubérance et ses ambiguïtés.

Une intrigue aussi délurée que ses personnages, qui va chercher ses références dans les auteurs littéraires et cinématographiques d'horreur, de fantastique et de science-fiction, qui ne se lasse pas de surprendre et de faire rire, des chansons dont on se souvient et qui sont de véritables odes au délire, au sexe, à la drogue, au rock n'roll, des personnages ambigus et délurés, d'autant plus étranges qu'ils en deviennent attachants (pour des raisons totalement inexplicables par l'auteur de cet article tant la phrase « ce scientifique travesti obsédé est vraiment trop chou en fin de compte » perd de sa logique à l'écrit), en bref ce film est un condensé d'envie de s'amuser hors des limites habituellement connues, une ambiance de paillettes et de couteaux ensanglantés et une comédie fantastiquement morbide.
Les acteurs y livrent une véritable performance de jeu, de chant, de danse, de drôlerie, et on y découvre une toute jeune Susan Sarandon excellente, qui n'a pas peur de rire d'elle même et de risquer une image de jeune actrice pourtant peu connue alors.

En résumé, un film cultissime, impossible à rater (enfin sauf si Titanic et Autant en emporte le vent sont vos films préférés, dans ce cas il y a des chances pour que vous n'arriviez pas à apprécier ce film à sa juste valeur...) qui redonne goût aux porte jarretelles et aux orgies rock.

Dir : Jim Sharman, 1975

Pourquoi je ne vais plus voir Saw …

Kwet — 2010-11-29T14:23:22Z

Je ne suis pas de celles qui font leurs vraies filles au cinéma, et ne vont voir des films d'horreur ou « gores » qu'en compagnie d'un accessoire plus musclé contre qui se lover en cas de suspens insoutenable.

Non.

Moi je suis celles qui rigolent quand des piranhas déchiquettent méthodiquement un petit enfant blond trop imprudent (il avait qu'à écouter sa mère).
Je suis de celles qui emmènent leurs copines de fac voir SAW alors qu'elles pensaient aller voir la dernière comédie sentimentale à la mode. Gnark gnark gnark.
Cette introduction pour que vous ne pensiez pas que je ne suis qu'une chochotte qui a peur du sang et des piqûres. (Bon j'avoue pour les piqûres mais tout de même).

Parce qu'effectivement je ne vais PAS voir SAW 3D. En fait cela fait déjà un certain temps que je ne suis plus la série des SAW, et pas seulement afin d'éviter les blagues vaseuses genre SAW 6/merguez et paire de SAW 7, bien trop tentantes pour un esprit peu résistant à la mauvaise blague tel que le mien. J'ai vraiment été dégoûtée par SAW.

Le premier film m'avait vraiment enthousiasmé, je l'avais attendu avec impatience et j'avais même utilisé la ruse afin de me faire accompagner (voir plus haut). J'en étais ressortie avec l'impression d'avoir vu un très bon film, difficile à voir certes, mais vraiment bon. Le scénario était intéressant, inattendu et renouvelait le genre des films d'horreur, grandement malmené pendant les années 90 par les slash movies de mon adolescence.
Et puis il y a eu la suite. Enfin LES suites. Et là j'avoue que j'ai été perdue. Parce que la fin du premier était tellement bonne, nous laissant dans l'expectative, laissant aussi la place à notre imagination pour inventer toutes les horreurs qui pouvaient suivre… Et là on m'imposait tout ça, en poussant de plus en plus, en rajoutant à chaque fois, en épuisant le filon jusqu'à la trame. Sans compter que les images de Saw, déjà difficiles à regarder, et à assumer en tant que spectateur, n'ont aucunement besoin d'aller jusqu'à la 3D, à moins de ne résumer ce film qu'à une suite d'images gores, sanglantes et impressionnantes, ce qui n'était vraiment pas l'intérêt principal du premier film à mon avis.

Messieurs les producteurs et les réalisateurs, je vais être un peu crue, mais vous m'avez pourri mon trip. Méchamment.

Kaboom

Kwet — 2010-10-07T14:37:19Z

Réalisé par Gregg Araki, avec Thomas Dekker, Juno Temple, Haley Bennett, etc.

Kaboom. C'est autant le titre du film que l'effet qu'il fait. Kaboom ! Explosif, délirant, impertinent et tellement drôle que ça vous explose à la tête sans crier gare.

Gregg Araki a pour principe de ne jamais se laisser enfermer dans un genre, une case, et pour cela reste en constante recherche de nouveauté dans ses films. Ce dernier en est un succès flagrant, tellement le film semble mélanger les genres, avoir toutes les références pour finalement s'avérer purement unique… Le scénario nous semble au premier abord familier, on a l'impression que l'on sait à quoi s'attendre et on s'apprête à assister à une comédie de campus juste plus sexy et insolente que les autres, mais on est rapidement démentis tellement les surprises arrivent les unes après les autres ! Le film est tantôt un polar, un film d'action, un film de science fiction et une comédie romantique, sans jamais tomber dans la parodie ni la farce, tout est sérieusement drôle ou drôlement sérieux, au choix… Tout ça en couleurs vives à la limite du psychédélique !

Impossible de vous donner un résumé sans vous dévoiler une partie de l'intrigue, mais en gros, Smith est un tout jeune étudiant qui évolue sur son campus entouré de son sublime colocataire, sa meilleure amie lesbienne sarcastique, sa nouvelle amie London et divers personnages rencontrés au long du film, tous bien définis et souvent totalement fous. Quelques semaines avant son 19e anniversaire, il commence à faire un rêve très étrange et récurrent…

Le casting est aussi l'un des grands succès de ce film. Très soigné, chaque acteur a créé un personnage simplement inimitable, et on en ressort avec l'impression que l'on n'aurait pas vu le même film si seulement l'un d'eux avait été remplacé. Grâce à leur habileté à camper ces personnages jeunes, marginaux et délurés, la magie prend et toute l'ironie que met le réalisateur sur lui-même, sur la société qui l'entoure, sur les comédie américaines et le cinéma en général n'est ni trop appuyée, ni juste effleurée, elle prend sa simple et logique importance dans ce film qui parle de tant de choses, fond et forme confondus.

Finalement, 1h30 de delirium sans concession ni agression, des images pop et colorées, qui nous impriment la rétine durablement pour notre plus grand plaisir.

Dir : Gregg Araki, 2010

Cannibal ! The Musical (1996)

Kwet — 2010-10-03T14:30:25Z

Écrit et réalisé par Trey Parker, avec Trey Parker, Ian Hardin, Matt Stone, etc…

Voilà un programme alléchant : Les créateurs de South Park, une histoire de cannibales, tout ça en chanson…Autant dire que les promesses sont grandes, parce que je ne sais pas pour vous, mais la perspective d'un barbu poussant la chansonnette tout en se grillant un bout de cuisse du voisin me réjouit tout particulièrement !
Et dès l'ouverture, on sent bien qu'on va encore pouvoir savourer l'humour de Parker et Stone…

On nous annonce tout d'abord que le document qui va suivre est un document d'époque miraculeusement retrouvé, retraçant l'histoire du procès de Alfred Packer (Trey Parker), dernier rescapé d'une expédition meurtrière dans les Rocky Mountains en 1874. Packer est accusé d'avoir sauvagement assassiné puis dévoré tous ses camarades d'expédition, mais une journaliste, Polly Pry (Toddy Walters), ne croit pas en la culpabilité du doux et (avouons-le) très simple Alfred… Poussée par la recherche du scoop, Polly va interroger l'accusé pendant une pause durant le procès, et s'en suivent des flash back chantants et désopilants, remontant au tout début de l'expédition.

Si vous vous attendez à un film gore, détrompez vous, les scènes sanglantes tiennent plus du gag que du film d'horreur, et on y retrouve l'humour grinçant d'un épisode de South Park, surtout dans la scène de « massacre » final, avec les running gags et les jets de sang presque fluos pour agrémenter le tout. La comédie musicale n'est pas en reste, loin de là. Tous les aspects des « musicals » classiques sont passés à la moulinette, à peine amplifié pour les plus niais, et on peut ainsi admirer Trey Parker fredonnant des chansonnettes expliquant que les oiseaux chantent, que le soleil brille, que c'est une magnifique journée qui s'annonce, bref tout plein de « oulala-comme-tout-le-monde-il-est-gentil-et-beau-c'est-fou » sur une petite musique country… La fameuse chanson qui équivaut à une déclaration d'amour (oui oui, vous savez tous de laquelle je parle, il y en a une dans chaque comédie musicale) est quand à elle adressée… à un cheval ! Tous les personnages sont des clichés vivants, les gentils étant particulièrement souriants et enclins à l'optimisme et à l'appréciation de la beauté de la vie, et les méchants particulièrement hargneux et sadiques, bêtes et… méchants après tout, c'est leur rôle !

Au final, on ne nous propose pas là un grand film, ni un détournement révolutionnaire, mais on rigole bien, on sent le film fait entre amis et on s'amuse autant qu'ils ont dû s'éclater à le faire, et ça c'est le principal… Conseillé pour toute soirée entre potes, avec du pop corn et une bonne bière !

Dir : Trey Parker, 1996