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Notre jour viendra (Our day will come)

Kattarsis — 2010-10-21T03:56:18Z

{{}}Currently showing at the Edinburgh Film Festival (2011)

La sortie en salles du premier long-métrage de Romain Gavras, Notre jour viendra, n'a eu d'autre écho dans la presse qu'un silence gêné. Peu de critiques attitrés lui ont consacré plus de deux ou trois paragraphes, préférant laisser la parole au réalisateur, après avoir pris soin d'avertir que, bien entendu, il n'avait rien à dire. Car c'est une vérité universellement reconnue qu'une histoire sans queue ni tête, des répliques arbitraires en lieu et place de véritables dialogues, des scènes de violence forcément gratuites, des personnages auxquels on ne peut même pas s'identifier, tout cela n'a rien à nous dire.

De quoi s'agit-il dans ce film ? De l'histoire de deux hommes roux qui se rencontrent par hasard, un psychanalyste prenant sous son aile un jeune qui vient de fuguer après avoir frappé sa mère. Ils se liguent dans une échappée en voiture, méprisant, insultant, frappant et allant jusqu'à tuer ceux qu'ils trouvent sur leur passage. Eux-mêmes ne savent pas trop où ils vont, Rémy, le jeune, tentant d'imposer à Patrick, le psychanalyste, une fuite en Irlande où, pense-t-il, ils seront chez eux.

Un topos du cinéma français, après tout. Mais l'originalité du film n'est pas dans le résumé des faits montrés à l'écran. Ce film nous parle de quelque chose de très précis, et c'est ce qui autorise à penser que le silence qu'il suscite est bel et bien un silence gêné. Le film montre l'humiliation. Et il ne la traite ni comme une matière à esthétiser (ce que ferait n'importe quel film américain), ni comme l'occasion d'une réflexion désincarnée et intemporelle (comme la plupart des films français), mais, somme toute, comme un sujet d'actualité. Avant de nous dire quoi que ce soit, Romain Gavras nous montre l'humiliation produite aujourd'hui même, et il nous la montre telle qu'elle peut être vécue dans des corps et des esprits meurtris. Il nous montre ce que, sans le cinéma, nous ne saurions voir.

On s'empresse alors de qualifier le film de « nihiliste ». C'est le meilleur moyen de ne pas voir ce qu'il montre. Mais surtout cela témoigne d'une double tendance croissante de notre époque vis-à-vis de sa production artistique : l'incompréhension de la fiction, et l'inattention au contenu.

On ne comprend plus la fiction. Tout se passe comme si ce qui est montré = ce qui est dit. Je vois un personnage en frapper un autre = on me dit que je dois frapper mon voisin. Et tout effet de distanciation ne peut plus être lu que comme un « bug » : ce n'est pas normal, le personnage ne peut pas faire ça, il est trop invraisemblable. Le film de Romain Gavras cherche précisément à mettre en défaut cette incompréhension, à la pousser justement là où elle ne sera plus tenable. Qualifier son film de nihiliste, c'est se figurer qu'un jour, un réalisateur s'est proposé de faire un film conseillant à tout un chacun, ou aux roux en particulier, de se masturber dans un jacuzzi, si possible en présence d'une femme handicapée évidemment pas du tout consentante... Les critiques ont l'imagination de ceux qui ne veulent voir à aucun prix.
D'où l'inattention au contenu. Notre jour viendra n'est pas un film crépusculaire. Il ne nous raconte pas la chevauchée désespérée de deux êtres étranges et depuis toujours marginaux, il ne nous raconte pas non plus le destin d'une société enfermée dans la haine et la violence – à l'écran, pas un soleil couchant. Mais il montre d'abord la nuit, dernier terrain pour une vivacité trop réprimée quand règne le regard d'autrui, et il montre la lumière du matin, blême éclairage dans lequel les plages ressemblent à un vaste dépotoir. Cette alternance rythme très rigoureusement le film du début à la fin, de l'humiliation vécue poussant à fuir dans la nuit seul refuge, à l'humiliation vaincue par ceux qui ont su larguer les amarres – pour de vrai.

Mais au fait, pourquoi ce film serait « nihiliste » ? Visiblement, parce que tous les personnages secondaires sont raillés, insultés, et à leur tour humiliés par les deux personnes principaux. Ce qui se joue dans ces scènes, ce n'est pas une dénonciation comme telle. Comment celle-ci pourrait sérieusement prendre appui sur un personnage, Remy, qui ne comprend pas grand chose à ce qui lui arrive, et un autre, Patrick, qui se montre dès le début incapable d'apporter quelque solution que ce soit aux gens qui viennent le consulter précisément pour aller mieux ? Aussi les deux personnages ne s'en prennent pas aux Arabes, aux Juifs, aux jeunes, etc. par racisme ou misanthropie. Là encore le fonctionnement des différentes séquences le montre assez clairement : ce qui est en cause est l'égale prévisibilité de tous les personnages rencontrés. Car il y a bien un coup de force opéré dans la structure même du film : nous voyons les deux personnages mettre eux-mêmes en scène les différents protagonistes, prévoir leurs réactions, se répartir les rôles, bref construire le scenario d'une bonne partie du film, et quand celui-ci se réalise sous nos yeux, nous obtenons un film parfaitement réaliste. Pour une raison précise : ce que les deux protagonistes anticipent, nous l'anticipons également (la brutalité des piliers du bar-tabac, la réaction du marchand de voitures, la fausse assurance des jeunes), parce que fondamentalement, toutes ces réactions sont nos réactions.

Et en fin de compte, il y a bien un nihilisme pesant dans ce film. Simplement, il n'est pas défendu, il est exhibé. C'est celui de tous ceux qui font comme si de rien n'était. Ceux qui croient trouver une solution définitive, en faisant des enfants (la femme qui consulte Patrick), en vendant des voitures, ou en écrivant des chansons insipides – avec pour seul mot d'ordre : ne bougeons pas, ne changeons rien. Et quand Patrick demande à de jeunes anglaises, certes bien cyniquement, s'il est vrai que « girls, they just want to have fun », ce n'est pas lui qui donne l'affirmative, dans un piaillement à peine articulé.

Bref, pour guérir de soi-même, il vaut mieux écrire son propre rôle, sinon l'époque en a de tous prêts pour nous. Mais à voir ce film, nul doute qu'elle ne nous réserve une vraie histoire de roux.

Dir : Romain Gavras, 2010

Cannibal ! The Musical (1996)

Kwet — 2010-10-03T14:30:25Z

Écrit et réalisé par Trey Parker, avec Trey Parker, Ian Hardin, Matt Stone, etc…

Voilà un programme alléchant : Les créateurs de South Park, une histoire de cannibales, tout ça en chanson…Autant dire que les promesses sont grandes, parce que je ne sais pas pour vous, mais la perspective d'un barbu poussant la chansonnette tout en se grillant un bout de cuisse du voisin me réjouit tout particulièrement !
Et dès l'ouverture, on sent bien qu'on va encore pouvoir savourer l'humour de Parker et Stone…

On nous annonce tout d'abord que le document qui va suivre est un document d'époque miraculeusement retrouvé, retraçant l'histoire du procès de Alfred Packer (Trey Parker), dernier rescapé d'une expédition meurtrière dans les Rocky Mountains en 1874. Packer est accusé d'avoir sauvagement assassiné puis dévoré tous ses camarades d'expédition, mais une journaliste, Polly Pry (Toddy Walters), ne croit pas en la culpabilité du doux et (avouons-le) très simple Alfred… Poussée par la recherche du scoop, Polly va interroger l'accusé pendant une pause durant le procès, et s'en suivent des flash back chantants et désopilants, remontant au tout début de l'expédition.

Si vous vous attendez à un film gore, détrompez vous, les scènes sanglantes tiennent plus du gag que du film d'horreur, et on y retrouve l'humour grinçant d'un épisode de South Park, surtout dans la scène de « massacre » final, avec les running gags et les jets de sang presque fluos pour agrémenter le tout. La comédie musicale n'est pas en reste, loin de là. Tous les aspects des « musicals » classiques sont passés à la moulinette, à peine amplifié pour les plus niais, et on peut ainsi admirer Trey Parker fredonnant des chansonnettes expliquant que les oiseaux chantent, que le soleil brille, que c'est une magnifique journée qui s'annonce, bref tout plein de « oulala-comme-tout-le-monde-il-est-gentil-et-beau-c'est-fou » sur une petite musique country… La fameuse chanson qui équivaut à une déclaration d'amour (oui oui, vous savez tous de laquelle je parle, il y en a une dans chaque comédie musicale) est quand à elle adressée… à un cheval ! Tous les personnages sont des clichés vivants, les gentils étant particulièrement souriants et enclins à l'optimisme et à l'appréciation de la beauté de la vie, et les méchants particulièrement hargneux et sadiques, bêtes et… méchants après tout, c'est leur rôle !

Au final, on ne nous propose pas là un grand film, ni un détournement révolutionnaire, mais on rigole bien, on sent le film fait entre amis et on s'amuse autant qu'ils ont dû s'éclater à le faire, et ça c'est le principal… Conseillé pour toute soirée entre potes, avec du pop corn et une bonne bière !

Dir : Trey Parker, 1996

Mum and Dad

Abla Kandalaft — 2010-09-26T09:37:24Z

Mum and Dad - directed by Steven Sheil

Mum, Dad and their offspring, Birdie & Elbie, work at the airport and live off whatever the place throws out; food, cargoes, electronics and transient workers. Enter Lena, a young Polish graduate who has just arrived in Britain and expediently lands a job as a cleaner at the airport to tide her over presumably until she finds something more steady or gives up entirely on recession era Britain altogether. On the job, she befriends teenage girl Birdie and when Lena finds herself stranded at the airport after missing the last bus home, she gratefully accepts Birdie's offer of a cup of tea at hers. And thus for her first taste of a British home, Lena ends up imprisoned in a world of cannibalism, torture and perversity. Bizarrely she is also designated 'Mummy's Girl', and the incongruous moments of affection seem to signal that her only hope of survival is to embrace and become part of the family.

This is Calvaire Ken Loach-style. No one does social realism like the Brits and genre favourite Perry Benson (as Dad) offers a performance just as understated and intense as his efforts in This is England or Somers Town, which offsets and consequently accentuates the extreme, over-the-top rituals the family partakes in as part of their daily routine.

Between uncomfortable scenes of abuse, there are “breather” moments during which Mum, Dad and the kids argue over breakfast in the manner of your average soap. The fact that this average 2.4 kids family's existence outside their sadistic behaviour is given some screen time is the film's main strength. It creates a feeling that somewhere, somehow, Mum and the children (the Dad being constantly perverse and cruel) could potentially be likable but the film soon spirals into much more sordid territory and it becomes clear they are nothing short of insane.

The kidnappings, incestuous abuse, sexual overtones and couple dynamic have prompted some critics to comment on the similarities with the Fred and Rose West case, which confers on the film a very grim real-life feel. However, the mundane character and randomness of some of the scenes infuse a dose of dark humour that can easily get viewers to laugh out loud at the outlandishness of it all. This leads me to the climax of the film. The Christmas party scene presents the viewer with your dullish, bloated, run of the mill Christmas evening in front of the telly, Christmas cracker hats askew, Celebrations strewn across the floor with the odd body, human decoration and torture victim dotting the scene, all enhanced by excellent acting and genuine Christmas spirit on the part of the parents. This scene could become a reference and handy illustration of the Christmas Eve from hell.

Looked at in detail, the film is inconsistent; some of the shots are slightly amateurish and some promising ideas emerge without going anywhere. But on the whole, Mum and Dad is a success in terms of the mood, the awkwardness and the horror of what the director is clearly trying to convey.

Dir: Steven Sheil, 2008

L'Attaque de la Moussaka géante

Kwet — 2010-08-24T07:13:34Z

L'objet de la rubrique « Cheezy Monsters » ne pouvait passer à côté de cet ovni (c'est le cas de le dire).

Lors d'un diner en plein air, un petit garçon se débarrasse de son assiette de moussaka, plat traditionnel grec à base d'aubergines et de béchamel, et le jette dans le pré voisin. Au même moment, un groupe de bimbos blondes extraterrestres en plein tourisme spatial échouent dans une manœuvre de téléportation… Et suite à la réaction aquadynamique entre le flux transporteur et la béchamel (???), l'une d'elle se retrouve coincée dans la part de moussaka, qui se met à grandir, et grandir… Et à tout détruire sur son passage à coup de jets de sauce mortels ! Qui pourra sauver la Grèce de son plat préféré ? Réponse : Un groupe de scientifiques gays en blouses roses, un journaliste prêt à tout pour un article et une transsexuelle digne de « Pink Flamingo » de John Waters.

Le fait le plus délirant de ce film est peut-être qu'il a été tourné en 1999 (sorti en France en 2001 !). Il se veut être un hommage aux films de série Z et aux films de John Waters, à travers moult références, et c'est aussi désormais une œuvre phare du mouvement « camp », culture gay de l'exagération et du pastiche.
En lui même le film n'est pas un chef d'œuvre du cinéma ni même des séries Z (dans le genre on préfèrera les films des années 50, le Blob ou L'attaque des tomates tueuses), il manque clairement de rythme à certains moments, mais il a le mérite d'avoir inventé l'un des monstres les plus drôles du cinéma à mon sens, et les effets spéciaux dignes d'un budget équivalent au prix d'un sandwich grec font toujours passer de bons moments… Ed Wood aurait littéralement bavé devant la soucoupe volante et la moussaka qui avance à la vitesse d'une mouche paralytique qui arrive tout de même à engloutir les passants effarés fait un effet bœuf !

Au final ce film pourrait être culte juste grâce à son titre, ou même juste grâce à une bonne recette de cuisine géante et destructrice, mais tout ce qui l'entoure est tout aussi délirant et mérite clairement le coup d'œil. À voir donc, mais sans comparaison avec ses grands frères des années 50 !

Dir : Panos H Koutras, 1999

The Cars That Ate Paris (The Cars That Eat People)

Abla Kandalaft — 2010-08-18T08:29:59Z

The Paris in the title is basically Australia's version of Royston Vasey in Peter Weir's uncharacteristically weird ozploitation classic; a small town whose inhabitants cause car accidents to use salvaged valuables and bits of scrap metal as currency. The Parisians fear outsiders nearly as much as they fear the local young people who are running as wild as they can within the confines of the small town. Passers-by, drifters and visitors or either killed or sucked into the Paris community and given an odd job to contribute to the local economy. Such are the fates of brothers George and Arthur. The former dies in the crash while the latter becomes an orderly at the hospital, a job he seems to embrace like it's the most natural thing in the world.
In fact, Arthur just shuffles about like a confused gerbil, seemingly surrendering to whatever fate the Parisians have in store for him. Actor Terry Camilleri is really likable in his portrayal of wide-eyed, endearing Arthur, at times looking so consistently dumbstruck I was surprised he hadn't started drooling half-way through. In fact Arthur is shuttled around like a pawn into various jobs, which he qualifies for by appropriate changes of costume.
The film doesn't really go anywhere and some moments are inexplicably long. However it is best thought of not in terms of storyline, plot or other such devices but as a series of moments and interactions, satirising small town life in a way that is so over the top that nobody could really call it insulting. The film is so decidedly odd that amusing bits seem downright hilarious in context.
The highlight is probably the Paris masquerade ball or dress-up disco night or whatever celebration it is, during which the asylum interns are wheeled out wearing cereal boxes as masks.

Dir: Peter Weir, 1974