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Le "Laborataire" du court-métrage

Clotilde Couturier — 2011-03-07T02:00:00Z

J'ai eu la chance d'assister au Festival International du Court Métrage de Clermont-Ferrand, organisé par l'association « Sauve qui peut le Court Métrage », active depuis 1981. La compétition Labo est une sélection très particulière au sein du Festival de Clermont-Ferrand, car les courts-métrages qui y sont sélectionnés sont généralement issus de recherches créatives et proposent une perception non directive.

La compétition Labo est une compétition très particulière au sein du Festival de Clermont-Ferrand, car les courts-métrages qui y sont sélectionnés sont généralement issus de recherches créatives et proposent une perception non directive.
C'est un peu la compétition de l'étrange, de l'exploration intellectuelle et technique, et de l'introspection. On assimile souvent cette compétition spéciale à la partie « expérimentation » du Court-Métrage présenté à Clermont-Ferrand.

J'apprécie particulièrement cette compétition pour ses films originaux. De plus, cette année a été l'occasion de projections « anniversaire » pour les « 10 ans du Labo » rediffusant d'anciennes productions sélectionnées les années précédentes.

Une occasion fabuleuse de revoir « Tyger » (sublime film expérimental, animation brésilienne réalisée par Guilherme Marcondes), « The tale of how » (puissante animation sud-africaine racontant l'histoire des « dodos », réalisée par The Blackheart Gang), « Danse macabre » (film expérimental chorégraphié et réalisé par Pedro Pires), « MrDrChain » (animation expérimentale tchèque réalisée par Ondrej Svadlena), « Muto » (animation de murs peints, film italien réalisé par Blu), « The Marina experiment » (documentaire américain réalisé par Marina Lutz), « You are my favorite chair » (drame expérimental anglais réalisé par Robert Hardy) « Raymond » (animation comique franco-anglaise réalisée par le collectif Bif), « Next Floor » (absurde québecois réalisé par Denis Villeneuve), « Ryusei Kacho » (délire japonais réalisé par Hideaki Anno, voir ma page sur les courts japonais), « Sea change » (film anglais expérimental construit sur un paysage réalisé par Joe King et Rosie Pedlow), « Lila » (documentaire (publicitaire ?) réalisé par Broadcast Club) et plein d'autres merveilles de cette compétition.

Un DVD pour ce dixième anniversaire de la Compétition Labo a été édité : http://www.anglesdevue.com/dvd/2011/02/16/10-ans-de-labo/

En accompagnement, une sélection spéciale des films de Nicolas Provost était proposée dans le programme des « Courts de Rattrapage ».
http://www.nicolasprovost.com/
Ce réalisateur bénéficie d'une aura particulière pour ses créations inattendues, depuis l'immense succès de son film « Exoticore », réalisé en 2004, à mon sens l'un des meilleurs films de la première décennie du XXIème siècle, courts et longs confondus.

Exoticore

« Exoticore » raconte l'arrivée d'un Burkinabé en Norvège et nous transporte, par un jeu de procédés extrêmement justes et particulièrement bien tournés, au cœur du choc culturel que subit notre héros. « Exoticore » évoque toute une panoplie de questionnements autour de l'intégration, de l'immigration, des cultures, de la mondialisation, de la différence, de l'indifférence, des frontières du racisme, des limites de l'humanisme, des places du contact et de l'échange dans un contexte interculturel… Réalisé d'une main de maître par le suivi du cheminement du héros dans sa nouvelle vie, « Exoticore » est une expérience intérieure puissante et évocatrice, qui a le pouvoir de changer le mode de pensée du spectateur, d'agrandir sa perception, de faire vaciller ses acquis… le genre de film qui peut tout bouleverser.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=100048708&o=88

Je ne vais pas revenir sur tous ces succès du Labo car ils mériteraient autant d'articles séparés, chacun étant aussi riche qu'un long métrage.

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La compétition Labo regroupe donc toutes ces expériences audiovisuelles hors du commun et nous propose régulièrement un retour aux sources, soutenant les nouvelles créations de ces réalisateurs qui ont fait du court-métrage un genre à part entière. Nicolas Provost revient donc avec « Stardust » et « Storyteller » cette année, j'ai aussi remarqué « Big Bang Big Boom », le nouveau Blu. Tous les ans, Blu nous propose une nouvelle œuvre visuelle dans le style de son grand succès « Muto », animation d'art urbain réalisée en 2008, donnant vie aux murs des villes. La compétition Labo propose aussi de retrouver Isamu Hirabayashi (avec « Shikasha ») et Atsushi Wada (avec « Wakaranai Buta »), qui sont aussi des « habitués ».

Même si c'est un plaisir de retrouver ces talents, je dois avouer que j'ai été un peu déçue par l'absence de prise de risques dans les choix faits concernant la compétition Labo de cette année. Je pense qu'une moitié des films sélectionnés pouvaient être diffusés dans les Compétitions Nationale et Internationale et n'avaient pas tout à fait leur place dans le « Laboratoire » du court-métrage qui à mon sens exige une certaine approche, « différente ». Être à la fois un film, une quête, une expérience, une question… Le plaisir de découvrir les nouvelles créations des « habitués » et la qualité technique de la réalisation des films sélectionnés dans l'ensemble compensaient certes cette absence, mais je tenais tout de même à la signaler car je pense qu'elle justifie intégralement le choix du Jury dans l'attribution du Grand Prix.

En effet, le très réussi « Night Mayor » a reçu le Grand Prix de la compétition, ce qui ne m'a pas du tout surprise au sens où ce film ressort complètement du lot de par sa totale conformité à l'esprit de la compétition. C'est un classique « Laboratoire », le « film expérimental » type, bien fait, troublant, intéressant, touchant et j'étais toute contente que le Labo ait en quelque sorte « repris ses droits » en faisant ce choix. « Night Mayor » correspond à la perfection au film que l'on attend en assistant à une séance de la Compétition Labo.
http://www.clermont-filmfest.com/index.php?&m=213&c=3&id_film=200011841&o=88

"Night Mayor" est visible en ligne : http://www.nfb.ca/film/night_mayor/

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Je vais pour ma part vous proposer un petit Top 5 parmi les films restants, mettant l'accent sur d'autres réalisations qui m'ont personnellement séduite et sont aussi pleinement « Labo » de cette sélection.

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Mon favori est « On the way to the sea », documentaire expérimental réalisé par Tao Gu et que l'on compare instantanément à « Nuit et Brouillard » d'Alain Resnais. Cette réalisation est une co-production du Canada (Québec) et de la Chine, ce dernier étant le pays où se déroule les événements relatés.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?&m=213&c=3&id_film=200014506&o=88

Le mélange entre les images réelles de l'horreur vécue durant le séisme de 2008, le jeu de saturations et de noir et blanc, apaisant et inquiétant à la fois, et le discours onirique décalé forment un tout hyper présent, résistant au Temps qui passe, et rend l'horreur assez supportable pour pouvoir en percevoir toute la profondeur. A la fois contemplatif et réactif, « On the way to the sea » est une merveille du réalisme de la terreur de ces catastrophes naturelles, séismes, tsunamis, cyclones, inondations, qui nous ramène à notre condition humaine, qui nous permet de nous identifier aux victimes et qui nous renvoie à notre supposée solidarité, alors remise en question. Pour finir, l'omniprésence des éléments (l'eau, l'orage, la terre, les bâtiments et constructions humaines terrassés) pousse le spectateur à associer les drames et désastres survenus à des « démonstrations » des « pouvoirs » de « la Terre », à s'interroger sur notre grande fragilité face à cette planète qui nous nourrit et à se questionner sur les choix de notre « chemin » vers la mer.

La force de « On the way to the sea » repose non pas sur l'utilisation des images réelles, mais sur la qualité de son montage abstractif qui ne va jamais nous plonger dans une horreur excessive. Ainsi, en jouant de son détachement narratif pour faire passer la réalité du désastre et en rendant les images de souffrance acceptables par le jeu esthétique de saturations et de noir et blanc, « On the way to the sea » est une performance entre le Beau et l'Horrible. Au final, c'est parce qu'il est incroyablement bien équilibré que « On the way to the sea » permet la prise de conscience, la réflexion, et la méditation.

http://www.greengroundproductions.com/bios/tao.html

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« L'anomalie », film franco-belge réalisé par Régis Cotentin, arrive pour moi en deuxième position. Superbe composition esthétique jouant sur les impressions, les surimpressions, les hybridations et les colorations, « L'anomalie » est une pure expérimentation, nous présentant un univers magique de mille couleurs à regarder, à sentir vibrer, à explorer, qui permet totalement la plongée intérieure et nous entraîne dans plusieurs histoires, dans plusieurs couleurs, dans plusieurs regards.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=200017453&o=88

Soutien, ami, juge, accusateur, l'autre est là. Invisible mais palpable, consistant mais fantomatique, la présence de cet autre s'impose comme un esprit qui accompagne à chaque instant, au sens d'une compagnie « acquise », comme une présence surimprimée à l'instant présent. Comme une réminiscence de l'absent. Un hologramme qui colore chaque instant. Comme l'autre ne disparaît jamais totalement, imprimé dans notre inconscient.

Plongeant dans nos inconscients, « L'anomalie » est un film qui réveille. Souvenirs du passé, madeleines de Proust, instants d'autrefois, chansons d'enfants, ressurgissent ensemble et s'hybrident en une multitude colorée et parsemée, qui se disloque en fragments de Soi. Du Big Bang à la création de la Terre, de la formation des premières molécules d'eau à la naissance de la Vie sur Terre, des balbutiements de l'être humain à l'avènement de nos dernières technologies, « L'anomalie » nous relie de l'atome à l'atome, comme un prolongement infini de l'Un.

S'achevant sur le retour au cocon, sur la renaissance et la continuité, sur le commencement et le prolongement et le recommencement, sur l'infini, « L'anomalie » nous ouvre à tant de notions, à tant de questions que je ne pourrais les citer toutes. Un film du Tout et du Un, très ouvert et très surprenant. Un peu trop ouvert peut-être ?

http://regiscotentin.free.fr

http://www.le-module.fr/regis-cotentin.html#

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Je voudrais ensuite féliciter l'autrichien Clemens Kogler pour avoir réalisé « Stuck in a groove », animation expérimentale courte basée sur la technique du phonovidéo, une nouvelle expérimentation de VJing.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?&m=213&c=3&id_film=200016609&o=88

Rappelant les ancêtres du cinématographe tels le zootrope et le praxinoscope, le phonovidéo repose sur l'application de disques dont les dessins forment une animation courte lorsque l'objet est mis en mouvement par une roue, en l'occurrence une platine cd.
En plaçant des caméras fixes au-dessus des platines, avec au minimum deux platines et un mixeur, Clemens Kogler enregistre ses animations courtes et les « mixe » à l'infini, choisissant les cd en fonction de l'audio en cours.
Le procédé semble intéressant à développer dans les contextes de Live en nightclubs et autres soirées, mais le réalisateur a su élever son film au-delà de cette simple présentation d'une nouvelle technique de Vjing et accompagne ses animations, particulièrement bien choisies, d'un monologue sur le Temps qui passe, nos attentes, nos souvenirs, et nos espoirs. Cynique, mais touchant, Clemens Kogler s'interroge sur nos émotions, nos pulsions, nos illusions, nos fantasmes, et l'inscription de tous ces états dans la durée.

« Stuck in a groove » nous présente ses conceptions sur le Temps. Comment le Temps influe sur tout ce qui nous « définit » et comme le Temps « finit » chacun de nos états pour en développer un nouveau, ne nous permettant jamais de toucher à l'éternité. Comme il l'explique, avec le Temps vient l'habitude dont découle l'ennui et enfin la lassitude. C'est particulièrement intéressant de replacer son discours dans le contexte qui est le sien : celui du mix, audio ou vidéo (DJing et Vjing), qui crée à chaque seconde du « nouveau » pour divertir le public et rendre chaque « moment » de la soirée unique. Je n'entrerais pas davantage dans les détails mais cette composition reliant le fond esthétique, la forme technique et la narration scénaristique en un tout logique et contextuel lié à ces arts, souvent ignorés ou rabaissés au rang de divertissement de soirée, me semble une expérimentation unique et digne d'être remarquée.

Le film est visible en ligne : http://vimeo.com/11078489

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Pour continuer, il m'était impossible de faire l'impasse sur l'incroyable film français « Il était une fois l'huile », réalisé par Vincent Paronnaud.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?&m=213&c=3&id_film=200017396&o=88

Parodie cynique au pouvoir hilarant, « Il était une fois l'huile » dénonce des pieds à la tête tous nos acquis de cibles commerciales pour les industries et pointe du doigt les fondements infondés de notre société occidentale. Imitant les campagnes de communication des grandes sociétés et leurs mécanismes, « Il était une fois l'huile » est un coup de poing un peu facile, certes, mais particulièrement bien mené, allant jusqu'au bout dans son cynisme, suivant une trame « logique » osant complètement assumer ses choix scénaristiques. De plus, « Il était une fois l'huile » est très entraînant dans le déroulement narratif et d'une puissance comique inégalable.

Enfin, ce qui est particulièrement appréciable c'est le choix concernant les deux innocents enfants qui écoutent la mascotte des huiles Méroll avec attention, représentant évidemment chacun d'entre nous. Ainsi, « Il était une fois l'huile » dénonce aussi nos comportements de consommateurs. Bien qu'éveillés aux questions « gênantes » entourant l'exploitation Méroll et capables de les poser à la mascotte, les enfants vont systématiquement suivre la logique de la mascotte et trouver leur intérêt personnel, préférant avant tout passer de joyeux moments avec les belles chansons de la grande société.

http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=185160.html

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Pour finir mon Top 5, je choisirais d'évoquer le film « Turning », fiction animée britannique réalisée par Karni And Saul.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=200010979&o=88

Réalisé à partir d'images réelles, « Turning » ressemble davantage à une animation dans le déroulement narratif du film. Les cadrages, la technique de montage, les manipulations numériques de l'image, renvoient aux possibilités du dessin et de l'image animée.
Porté par une ambiance forte et par les glissements de l'image, du salon à la basse cour, de l'ombre à la lumière, des barrières de jambes des vieilles aux jardins des danses de petites filles, « Turning » nous interroge et nous entraîne dans ses récits d'empereur sans peau, de plumes et de thé. Les couleurs, les formes, les arabesques de porcelaine, les broderies de branchages, les coussinets d'entrailles, permettent, comme dans le dessin animé, d'aborder tous les thèmes et de montrer sans choquer. L'ensemble fait du film un après-midi d'anniversaire à la fois exotique et familier, plein de l'imaginaire sans frontière et communicatif de l'enfance.

« Turning » en profite alors pour effleurer sans s'y arrêter les ponts que prennent nos cultures entre contes et rituels de passage, troubles de santé et fables apaisantes, et touche à nos empreintes inconscientes comme les volatiles, le loup, la peur, la sorcière, la magie, la douceur, la mère, l'étrange, le savoir ancestral, le pouvoir…
Au final, Robert a-t-il reçu trois oiseaux pour son anniversaire ou accueilli ses grand-tantes ? Reçu la visite de trois fées ou consulté les « vieilles » du village ?
Glissant dans l'univers de l'enfance, « Turning » nous surprend et nous happe, comme les contes oubliés, comme les rires d'autrefois, suspendus au-dessus du fossé entre l'enfance et l'adulte, évocateur comme un splendide costume de lion. Roar !

http://vimeo.com/groups/2350/videos/10404619

« The eagleman stag » (Michael Please, Angleterre) (trailer en ligne) et « Le chant des particules » (Benoît Bourreau, France) ont aussi éveillé un intérêt particulier en moi, le premier pour son univers graphique et pour les passions qui animent le personnage principal, le second pour son rapport aux sciences et au traitement documentaire. Tous les deux touchent aux questionnements existentiels de l'être humain et notre perpétuelle quête de réponses.

Pour clore cette approche du « Labo » du court-métrage de Clermont-Ferrand 2011, j'aimerais ouvrir une parenthèse sur « Magia », réalisée par le français Gérard Cairaschi, qui est une œuvre d'une immense qualité photographique et que je pense fondée sur une excellente idée d'hybridation d'images, reposant sur la persistance rétinienne, mais qui m'a donné le sentiment de n'avoir pas encore trouvé son aboutissement, comme une recherche à poursuivre, une étape dans un travail que « Magia » donne envie de soutenir.

Le « Labo » c'est aussi cela, une fenêtre de diffusion pour mettre en avant le travail d'un artiste. Avec certaines images de l'imbrication qui sont pour moi trop visibles, « Magia » est axé sur le rapport à l'enfance, au toucher, à la terre et à la recherche créative. Ayant vu d'autres travaux réalisés avec le même talent par l'auteur, basé sur le même principe d'images imbriquées formant une animation, j'attends avec impatience l'œuvre suivante, témoin de la prochaine étape, que j'espère axée sur une autre inspiration, propice à nous éblouir de son prochain accouchement.

Rendez-vous au Festival de Clermont-Ferrand 2012 ? …

A cheer for shorts at the Clermont - Ferrand International Short Film Festival 2011

Abla Kandalaft — 2011-02-25T10:00:00Z

– You going to CC1?
– No but I might do L4 or I12...
– Alright, I'll see you after XL1

Numbers and letters were exchanged all over Clermont-Ferrand last week by the thousands of attendants of the International Short Film Festival like players in a large scale Battleships. This is meant to be the world's largest short film festival and the numbers and letters refer to the various films in an elaborate categorisation that reflects the size of it. Another illustration of that was the baffling mish mash of coloured charts, rankings, reviews, mugshots and biographies that was the catalogue. In all fairness, it did make comprehensive a very large selection of films lumped into about a dozen categories, spread amongst 7 screens. Hence the colour coding and the cryptic numbering.

In terms of numbers, the festival was impressive: hundreds of thousands of visitors, thousands of professionals, a dozen juries plucked from the pool of industry professionals, funding bodies, tv channels and the general public and more awards than I care to list here. (Full list of awards, statistics, snapshot synopses and winners at http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=128.)

The short films were all less than an hour long and sorted into categories that sometimes overlapped (French selection, International competition) and some more specific, thematic ones (Tales, Labs, Decibels...). These were framed and seasoned with discussions, debates, Q and As with the crew and the film market where distributors and producers shopped around for films and mingled with representatives of various film schools, production companies and institutes from around the world.

Overall, the massive turnout and snaking queues attested to the popularity of the festival and short films in general. Aside from industry professionals and the press, noticeable by their proudly flaunted red goodie bags, a quick look at the audience and a chat in the queue suggested it was a mixed bunch. Pensioners and students alike would be queuing for the same screenings. This is truly a festival born and bred in Clermont-Ferrand and I have yet to hear a word against it (and its accompanying invasion of media types) by the locals. The packed screenings suggested most of the viewers were Clermont residents. Many were regulars, having attended in past years. Most were generally curious about the films. At the risk of stating the obvious, it is worth remembering that practically none of the films had had any press coverage or trailers in cinemas. Aside from a select few that had already toured around various festivals (Monsieur le curé, The six dollar fifty man...) all the public had to go on were 2 or 3 line synopses in the indispensable brochure. And a photo. It was heartening to see audiences attend in droves on the simple basis of "that looks like fun". They gave the films a chance. It certainly helped that ticket prices were low and multi-passes were available at decent rates. From its use of local cinemas, publicity (the city was plastered head to toe in the conspicuous red posters), selection and prices, organisers aimed for a general appeal and, as a result, the festival seemed to eschew the elitism of the large scale events.

Onto the films.

Some countries made their presence felt in the International competition, with 2, 3 or more films selected. The Korean film industry can seemingly do no wrong judging by the drip drip of high quality films into screens and festivals. K-horror has established itself, with such films as Tale of Two Sisters, but we were treated to both comedy and drama quality offerings. The first one came in the form of Unfunny Game. The game of the title is presumably the one the gratingly self-assured protagonist plays every time he confronts a local shopkeeper to within an inch of being kicked in the face, whether to voice his unjustified dissatisfaction with the service or to save a few pennies. Very different in style was Promise of a Spring Day, an understated and moving account of a grandmother excitedly planning a reunion with ex-classmates. But as she attends to the incessant needs of her mother, siblings, children and grandchildren, the reunion is relentlessly put off.

No less than two Palestinian filmmakers featured in the International Competition: Hazim Bitar, with the grim but touching Batn el Hoot, in which a young man trapped in a tunnel 30 meters below Gaza reflects on his life, and Ihad Jadallah with Baya'a el Ward, the allegorical story of an unassuming flower seller.

Although Britain had very minimal representation at the film market mainly due to the recent axing of the film council, its presence shone on screen via I'll tell you (simple and sweet tale of enamoured teenagers), Bad night for the blues (taking out great Aunty for a stroll), On the water's edge (creepy and confusing animation with a giant octopus), Waiting for Gorgo (a very original account of the hidden depths of the Ministry of Defence)

We were treated to eclectic choice offerings from the US - Class trip (more enamoured teenagers, this time in the Bronx), Higglety, Pigglety Pop (portrait of a dog), Something left, something taken (offbeat darkish animation) and Raju (credit crunch romance).

Latin America also featured heavily across the selections (El Paraiso de Lili, La Mina de oro, Los Minutos, las horas...).

The French benefited from their own awards distribution via the National Selection of which glorious winners include the potentially enigmatic but resolutely soporific Diane Wellington, the glossy, twice successful Pandore and the deserving Florent Cheippe - star of Hurlement d'un poisson, a solitary, heart-warming cheer for all cold-callers everywhere, unchampioned drones whose ranks are set to swell in the current economic climate - and Anne et les Tremblements, a funny crowd-pleasing mockumentary about a woman living above a metro line.

Some screenings are quite inevitably hit and miss but on the whole, the festival is so accomodating, the gems are scattered quite liberally across the various screenings. For the most part, it seemed that comedy was a favourite with such a format. Short, fast-paced, often action-packed stories with little dialogue and a punch line pretty much guaranteed some level of success, best illustrated by the deserving winner of the Funny award, Sucker by Dutch director Jeroen Annokkée, in which a scantily-dressed woman knocks on her bemused male neighbour's door asking for sugar. This ignites a hilarious chain of events. Just as funny, although stylistically very different, was Luis Briceno's Tomatl: Chronique de la fin du monde, a laugh out loud, part animated film tracing the history of the common tomato. I won't go into detail as it is best discovered fresh (and unspoilt, like the fruit, haha). Moving on. The animated films provided their fair share of laughs; special mention goes to Isabelle au bois dormant, a very minimalist animated film parodying the tale of Sleeping Beauty and whose sheer brilliance is a testimony to the enduring relevance and quality of old style, CGI-less animation.

For darker, more biting or absurd humour, praise must go to a bunch of films: La fille de l'Homme from the National selection, a film that relies on such a simple idea it can't be called a plot and yet displays such originality and rhythm that it elicited many laughs and gasps from the audience in the few minutes it ran. La Madre in the Tales section can be classified as horror but its quick rhythm and its unbelievable chain of events in a similar vein to Sucker drew more laughs than shock from the audience. Finally, brilliant Swedish entry Hostmannen provoked really unexpected laughs but its brand of humour is probably an acquired taste for some.

Jokes, comedy and punchlines are often action-heavy and tend to rely on fairly basic plots, for which the short is a medium of choice. However, simple plots can also incite dramatic tension, three-dimensional characters and drawn out scenes that still work very well in such a format. The afore-mentioned Promise of a Spring Day is one example. Similarly, the French produced La Grande Muraille de Qin explores identity crisis and nostalgia in a family of first and second generation Chinese immigrants in France with great subtlety. I can also cite the Czech entry Pruvodkyne, a slow and intense tale of infidelity, with few words and lengthy shots of a scenery that is as intrinsic to the story as the characters.

Although the horror fare was very light to my taste, there were a few chilly treats, like the surprisingly eerie French production Chair Disparue, the story of an elderly woman who witnesses the episodic disappearance of her husband. The creeping darkness and blurred shapes were reminiscent of Guillem Morales's Julia's Eyes. Some experimental films displayed similar creepy vibes (Chernokids, Chaperon Rouge) as directors make the most of the possibilities offered by mixed media and animation to produce chilling effects.

One undeniable plus about a short film is that if it is cringingly terrible chances are it'll be over before you bother to pack up and leave. None of the films I saw would answer to that description. Overall, they were either formidable on all fronts or tended to have redeeming features; an erratic plot could be complimented by beautiful cinematography etc. A few films I felt weren't particularly successful in their treatments as shorts. The set-up was often promising but too elaborate, the ending seemed hastened so as to fit in under an hour and tended to fall flat (Manu, Jericho).

By way of a lengthy conclusion I'll end on the possibilities of the short. It seems that, very much like public service broadcasting, if there is an offer people will come. There are endless (and cheapish) possibilities for shorts screenings to cater for all tastes, however mainstream or niche: theme nights, animations, tributes to countries or directors, double, triple, quadruple bills... There are enough cinephiles, lurking loners and cashstrapped culture enthusiasts to start filling the seats and ignite interest. For a time, shorts were screened just prior to features and have sadly been replaced by more lucrative adverts. Even trailers are fewer and far between. It would be interesting to see how many people have stopped turning up early to a screening in the full knowledge that these initial 15 minutes would now mostly be filled with advertising. Since then, shorts have increasingly fallen under the banner of artsy fodder only cultural snobs would pretend to enjoy. Yet, the format is just that, and the types of content that fill it are incredibly varied and, for the large part, cater for laziness, short attention spam and curiosity, which can do the rest in attracting bigger crowds.

The films mentioned here are currently touring festivals with a shorts selection so try to find the nearest one to you. Should you wish to contact the film directors, drop us a line and we'll do our best to forward questions and requests.

Une sélection de films - Clermont Ferrand 2011

Clotilde Couturier — 2011-02-25T09:47:51Z

Progressivement, l'association « Sauve qui peut le Court Métrage », active depuis 1981, a su dresser une table gourmande et engagée de cet Art. Aujourd'hui, s'élève un Festival International, le plus important Festival de Court Métrage au Monde en terme de visiteurs. Et comme cela n'est pas suffisant pour ses énergiques protecteurs du court-métrage, l'association « Sauve qui peut le court métrage » complète cette action par le développement du Pôle Régional de l'éducation à l'image et la gestion de « La Jetée », centre de documentation spécialisé le plus important d'Europe.

Je voudrais vous donner ci-dessous un tout petit avant-goût du Festival 2011 en choisissant de mettre en avant 5 films des Compétitions Nationale et Internationale.

J'exclus donc tout cela de mon « top 5 » des Compétitions Française et Internationale, ainsi que les deux merveilles que j'ai déjà découvertes au Festival Silhouette : « Six dollar fifty man » et « Monsieur l'abbé ».
(voir http://www.mydylarama.org.uk/spip.php?article49)

N'ayant pu voir qu'un tiers de la totalité des séances (52 heures), n'ayant vu ni « Kawalek Lata » (Grand Prix de la Compétition Internationale) ni « Pandore » (documentaire deux fois primé), j'ai fait mes choix de manière totalement partiale !... Libre à vous de commenter et de m'indiquer vos propres préférences.

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Le premier film sur lequel j'aimerais écrire est « Tfarim » (« Couture »), un court-métrage israëlien réalisé par Dana Keidar.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?&m=213&c=3&id_film=200011729&o=88

« Tfarim » m'a surprise dans son rapport hyper juste et réaliste quant à la découverte simultanée de l'Amour et des convenances morales de la Société. J'ai été touchée par la façon dont le comportement de l'héroïne est présenté dans son naturel et sa sincérité.
Par ailleurs, la qualité de l'image est sincèrement remarquable, la lumière du verger inondant les scènes d'Amour tandis que l'éclairage du foyer atténue les contrastes et que la blancheur des autres lieux tranche avec l'apaisement du jardin, rendant ces espaces ténus et limités dans leur capacité à accueillir l'émotion.

« Tfarim » est davantage un gentil poème, une parenthèse de rêverie, qu'un récit. Les vingt-quatre minutes que durent le film m'ont semblé une fraction de temps hyper courte… L'envie de prolonger le rêve peut-être ?

Le film se déroule, suivant une ligne narrative simple, sans que la réalisation ne vienne expliquer les doutes de Nadine et les valeurs qu'elle porte en elle, par des discours trop explicites. Sans le langage, Nadine nous transmet son affection, son désarroi, ses hésitations, ses raisons dans la décision qu'elle prend, sa vaillance à honorer ce choix et enfin sa vision de l'avenir.
La qualité de la réalisation qui permet de communiquer autant en disant si peu nous ramène forcément à nos situations personnelles et nous permet de nous identifier à cette héroïne qui peut pourtant être si loin de nous. Ce n'est néanmoins pas la première réalisation à atteindre cette qualité.

Ce qui fait l'originalité du film, c'est la douceur poignante qui en émane de la première à la dernière image, même dans les situations les plus conflictuelles et pour lesquelles on s'attendrait à une confrontation, qui n'arrive finalement jamais.
La réussite du film tient en grande partie à cette capacité à nous transmettre une image toujours agréable, jamais ébréchée. L'histoire porte d'ailleurs sur le remodelage de Nadine, comme si ce qui avait été fait pouvait être effacé si simplement. Comme si les conflits ne méritaient pas d'être soulevés, comme s'il suffisait de les nier ou de les détourner pour vivre en parfaite harmonie dans un climat de joie et de détente. C'est peut-être le message du film. En tous cas, la douceur est le vrai héros du film. Un héros que l'on désire mais qui intrigue, qui provoque de la gêne car il entraîne mensonges et dissimulations mais aussi du plaisir car il permet la jouissance et l'amour.

La force des personnages secondaires, qui viennent attendrir encore les scènes de par leur compréhension, leur sympathie et leur tendresse pour Nadine, fait tenir le film en une bouffée d'air frais, une respiration de bien-être.
Nadine ne rentre donc jamais dans le conflit qui pourtant se présente à elle comme une évidence à plusieurs reprises. Elle contourne, elle virevolte, et en une pirouette le conflit se transforme en sourire. C'est une belle leçon de vie, mais c'est aussi propice au questionnement sur la sincérité des rapports humains, qui est justement bien montrée dans le film.
Nadine et ses belles pirouettes, qui lui permettent d'être à la fois la fille, la femme et l'amante idéales, écartèle son être dans toutes ces directions pour apaiser les tensions de tous et éviter les déceptions, les confrontations, les choix, les aveux, les critiques… Toute prise de risque est annihilée pour protéger son bonheur.

On pourrait imaginer ce bonheur entaché du mensonge et de la peur de la désapprobation du « clan ». Cependant, il n'en est rien ! Parce que Nadine vit très bien sa dissimulation. Nadine est-elle un modèle à suivre ou une faussaire à dénoncer ?

Site officiel : http://cinephil.co.il/index.asp?categoryid=80&articleid=603&searchparam=stitches

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Le deuxième film que j'aimerais féliciter est totalement construit à l'inverse de « Tfarim ». Il s'agit de « Khouya », film franco-algérien réalisé par Yanis Koussim.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=200013253&o=88

« Khouya » (« Mon frère ») est la suite de « Khti » (« Ma sœur »), réalisé en 2007, et doit former une trilogie sur la situation féminine en Algérie avec un prochain court-métrage. Dans « Khti », Yanis Koussim abordait le sujet de manière légère et souriante, avec « Khouya » il entre dans le vif avec ferveur et poigne.

« Khti » montre de nombreuses faiblesses techniques (cadrage, transitions, déroulé) alors que « Khouya » est au contraire une réussite dans la qualité de la réalisation.
Peut-être est-ce dû au nombre de films réalisés par Yanis Koussim depuis, ou alors au fait que « Khti » est une comédie, et « Khouya » une tragédie ?

En tous cas, le talent tragique de Yanis Koussim s'exprime parfaitement dans « Khouya » où il parvient à augmenter à chaque minute le suspense et l'inquiétude qui portent le film.
D'abord présente de manière sous-jacente, « palpable », la violence de « Khouya » monte en puissance jusqu'à en devenir exaspérante. Le film tombe dans certains clichés mais ne s'y arrête pas et poursuit son cheminement infernal. Tout en tension, ce quasi huis clos épuisant, à la limite de l'insupportable, nous pousse à la révolte.

C'est un talent à reconnaître au réalisateur car si la montée de tension perdait en intensité, si la moindre pause prenait le temps de calmer l'inquiétude, si les espaces de fraîcheur n'étaient pas toujours trop courts, nous passerions à côté du film.
Le procédé composé par Yanis Koussim a en effet pour but de nous faire ressentir intérieurement le drame de la situation, et ainsi nous permettre de percevoir le besoin de libération et l'impulsion inconditionnelle que ce besoin provoque.
Ceci dans le but de nous faire comprendre la chute, juste et « logique ». Finalement, le sentiment de persécution doit nous mener à concevoir en nous-même, à espérer, et à apprécier, cette riposte à la fois héroïque et condamnable.

Yanis Koussim prend de grands risques avec ce choix narratif car le spectateur, impliqué avec le procédé, peut aussi rejeter la totalité de l'œuvre et n'éprouver que le sentiment d'un film « imposé ». L'autre risque avec ce procédé est que le spectateur en ressorte une vision surréaliste de la situation, puisque portée à l'écran dans l'extrême. Réellement, « Khouya » ne permet que trois réactions possibles : la compassion, l'égocentrisme ou le déni.

En rendant son film aussi poignant, Yanis Koussim ne nous permet plus d'être spectateur.
Il nous ferme la voie à la neutralité de l'observateur. C'est une proposition intéressante qui rappelle le débat du film documentaire, entre objectivité et subjectivité, entre relevé et témoignage, entre information et engagement.
Autant le sujet (malheureusement très courant) de la violence domestique a été mieux traité dans d'autres réalisations, autant la forme « retorse » de « Khouya », qui vous interdit l'indifférence, en fait une œuvre singulière et authentique.
Je pense que « Khouya » est clairement un témoignage subjectif engagé en soutien à l'obtention de Droits pour les femmes algériennes et qui a créé en moi une envie de rejoindre cette lutte, conforme à l'image finale du choix de la quatrième femme du film.

La production : http://www.africultures.com/php/index.php?nav=structure&no=3883

« Khti » est visible en ligne : http://www.onlinefilm.org/-/film/34494

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« Traiettorie invisibili » est le troisième film que j'aimerais évoquer. Ce film italo-suisse surréaliste, réalisé par Luc Walpoth (titre français « Trajectoires invisibles ») a retenu toute mon attention.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?&m=213&c=3&id_film=200016421&o=88

En effet, « les gens » en général, c'est-à-dire nous, qui venons dans les salles de cinéma, achetons des livres ou écoutons des spectacles, attendons systématiquement que l'on vienne nous « Raconter l'histoire. La seule. Celle que les gens veulent entendre. »
Cette histoire, c'est un amoureux grisonnant, élégant mais assez commun pour permettre l'identification, qui vient nous la porter dans « Traiettorie invisibili ». En fait, l'homme voyage d'histoire en histoire. Généreux, il nous fait voyager avec lui sur son chemin onirique et charmant… emportés, on le suit en s'apercevant qu'il est lui-même l'histoire… ou alors qu'il n'a pas d'histoire ?

Sur ces trajectoires invisibles, on retrouve l'essence du voyage : des rencontres. La rencontre avec « des autres ». Et ces « autres » le portent (ou nous portent ?) vers d'autres histoires. Et aussi vers la nécessité de nous redéfinir nous-mêmes, nous composer d'une nouvelle façon, créant encore une nouvelle histoire.
Quand se profile la possibilité de finir l'histoire, alors surgit la difficulté de renoncer à l'histoire. En effet, écrire le mot « Fin », c'est clore l'histoire qui n'a donc plus à être racontée. Sortir du récit pour passer au « commun », au « sans histoire », c'est un pas difficile à franchir pour nous tous. Encore plus dans nos sociétés modernes où justement l'être se définit par ses histoires, et non plus par sa situation ou son statut (comme ça pouvait être le cas dans d'autres temps).

Comme dans le film, la plupart d'entre nous préfèreront prolonger l'histoire (ou les histoires) que choisir une fin. Nous nous créons même sans cesse de nouvelles histoires. Des voyages, physiques ou intellectuels, des rencontres, des changements… Dans la vie de tous les jours, quand nous sommes amenés à faire un choix, nous optons presque toujours pour des solutions ouvrant la voie à de nouveaux dénouements (et donc rebondissements), rendant impossible l'aboutissement de notre histoire.

Je pense pouvoir prendre le pari qu'en lisant cette dernière ligne, vous venez de penser à … une histoire. De vous-même ou celle qu'un proche vous a contée…

« Traiettorie invisibili » m'a aussi fait penser au travail de Paul Ricoeur et Marc Augé sur le récit de Soi, mais le film ne va pas assez loin dans son analyse pour atteindre les questionnements de ces auteurs sur la place du conteur dans le conte et la question du Soi, de la représentation de Soi et de l'interprétation de Soi.

Néanmoins, le film offre une approche particulièrement sensible des nœuds qui se forment entre récit, interprétation et transmission. De l'influence du conté au conteur et finalement à l'histoire elle-même. Des variations finalement obtenues. A l'image des contes anciens par exemple, qui ont pris des formes différentes dans certains pays et connaissent aujourd'hui plusieurs déroulements et plusieurs fins. Comme si l'histoire n'était jamais totalement écrite.

Site officiel :http://www.turbulencefilms.ch/turbulence_Films/TI.html

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En quatrième lieu, j'aimerais parler du film français « La fille de l'homme », réalisé par Manuel Schapira.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=200015129&o=88

Ce film m'a beaucoup touché dans le « rapport à l'autre ». Comment nous portons rapidement un jugement sur une situation ou une personne. Comment nous percevons instantanément la présence d'autrui comme une gêne et comment nous allons naturellement nous enfermer dans des rapports de force au lieu d'aller dans l'écoute et la parole…

Comment le père refuse de répondre aux questions qui lui sont posées, considérant qu'il n'a de compte à rendre à personne, et étant peut-être effrayé par le groupe de jeunes qui le prend à parti. Comment les jeunes décident d'intervenir dans une situation dont ils ne savent rien mais en pensant agir pour le bien de la communauté.
Comment le comportement et le langage des jeunes vont transformer leur question en reproche.
Comment le silence renfermé de l'homme va transformer la situation en attaques contre sa personne.
Je me suis interrogée, à l'issue du film, sur la question de l'agression verbale et ses différentes strates, de l'insulte gratuite réellement agressive à l'imposition d'un échange oral qui ne l'est pas toujours…
Le questionnement s'étend alors à l'agressivité latente que chacun d'entre nous porte en lui, à la conquête de sa place assise dans le métro ou d'un bout de trottoir pour marcher par exemple.

J'ai aussi aimé le passage dans le bistro et la confrontation des deux groupes avec de nouveaux protagonistes, prenant parti plutôt pour la bande de jeunes que pour l'homme blanc avec le bébé. Et en même temps, oscillant entre les deux, voulant à tout pris prendre parti et être eux aussi le sauveur, « le défenseur de la veuve et de l'orphelin », mais ne sachant qui a tort ou raison, ne faisant qu'empirer les choses.

Le rapport aux policiers et le regard de la femme, sont deux nouvelles confrontations, aussi intéressantes et bien traitées.
« La fille de l'homme » ne raconte ni l'histoire de l'homme, ni l'histoire de sa fille, mais nous entraîne dans un univers urbain réaliste et concret, comme le quotidien. Un film qui interroge !

Site officiel : http://www.premium-films.com/film.php?id=1894

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Pour terminer, je veux dire quelques mots du documentaire suisse « Kwa Heri Mandima ». Réalisé par Robert-Jan Lacombe, « Kwa Heri Mandima » revient sur ses derniers jours au Zaïre, pays où il a grandi pendant les 10 premières années de sa vie.

Le contenu visuel est assez limité, quelques photos, une vidéo, mais le discours qui accompagne les images m'a profondément touchée.

http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=200015902&o=88

En effet, nous parlons toujours d'une humanité universelle alors que dans chaque zone, nous prônons sans cesse le nationalisme et l'identité exclusive. « Kwa Heri Mandima » va dans le sens contraire et présente le cas d'un enfant européen qui a grandi dans la culture zaïroise et en a adopté les coutumes et les croyances. Le nombre de ces enfants « multiculturels » grandit chaque jour avec l'augmentation des migrations et des échanges internationaux. Tout comme les couples mixtes sont de plus en plus courants, ce qui augmente encore le nombre d'enfants multiculturels.

De nombreuses questions se posent tandis que la présentation de l'auteur s'étend aux enseignantes, aux camarades de classe… l'ouverture culturelle et l'absence de préjugés d'un enfant, le respect des cultures de chacun, le multilinguisme, l'apprentissage dans la langue natale, l'enracinement à un « foyer » qui n'est plus limité par une frontière gouvernementale… Tant de sujets méritaient un angle d'approche. Je trouve dommage que le film termine seulement sur l'annonce de la guerre qui va ravager le Zaïre juste après leur départ. Au lieu de nous rendre les personnes citées vivantes et attachantes, cela les écarte. On ne peut plus que se lamenter sur la disparition de ces êtres et en vouloir à ceux qui ont provoqué les affrontements. Ce qui à mon sens n'est pas plus constructif. J'aurais souhaité que le documentaire termine autrement, avec le témoignage de survivants par exemple, l'espoir de reconstruction, la présence d'un soutien interculturel ou au moins une faible lueur d'espoir de retrouver quelque chose de ce passé brisé.
Or, je suis sûre qu'il y a des restes, des gestes, des rites, des idées, des concepts sur le Monde et les autres, et j'espère qu'il y a aussi des rescapés, même si les trois meilleurs amis de l'auteur n'y ont pas survécu…

Malgré tout, le film apporte un regard intéressant sur ce passé entre deux cultures et les influences de cette enfance zaïroise dans le cœur d'un suisse. Bien sûr, le témoignage sur l'horreur de perdre ses camarades de classe reste intact, dans sa tristesse.
Mais grandir en plein air, dans la liberté et la bienveillance d'une communauté, porté par deux cultures différentes, semble une belle aventure de vie.

Site officiel : http://www.ecal.ch/news.php?id=1032&lang=en

Le film semble être en ligne sur le youtube du réalisateur : http://www.youtube.com/user/robijano#p/a/u/0/hef6Roa2z3U

Sur l'ensemble des deux sélections, j'ai vu presque soixante films, la plupart techniquement bons, au scénario construit, avec un message net ou un récit structuré. La moitié des courts-métrages que j'ai vus étaient vraiment tout public, de qualité, « sympas », doux, poignants ou drôles, et quelques « Higglety Pigglety Pop ! » ou « Thermes » sont venus bousculer tout cela.

Mais je regrette énormément l'absence de films expérimentaux dans les sélections française et internationale. Heureusement, le Labo, ainsi que les projections de certains films des palmarès précédents de cette compétition spéciale, dont Clermont-Ferrand fêtait l'anniversaire cette année, m'ont permis de combler ce manque.

Courts métrages Japonais (et où les trouver)

Clotilde Couturier — 2011-02-25T00:29:57Z

J'aimerais faire une courte présentation de la présence du court-métrage japonais en France. Ce mois-ci, j'ai eu la chance d'assister au Festival International du Court Métrage de Clermont-Ferrand, organisé par l'association « Sauve qui peut le Court Métrage », active depuis 1981.
Je me rends chaque année depuis 2007 au Festival dans l'espoir de voir les derniers courts-métrages japonais. En effet, j'ai un faible pour ces productions et j'essaie de les diffuser en France !
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Clermont-Ferrand étant le plus grand festival de courts-métrages au monde, c'est dans ses salles que vous rencontrez le plus de courts-métrages japonais possible, hors achats de DVD.

Par ailleurs, le Festival de Clermont-Ferrand a toujours soutenu en particulier cette production, depuis 1985 (ouverture de la Compétition Internationale du festival avec la participation de « A girl she is 100% », réalisé par Yamakawa Naoto) jusqu'à aujourd'hui en passant par le focus Spécial Japon réalisé en 1987 et en 2003, et avec le premier prix pour un film japonais en 1992 attribué à « Tokio House » de Shimiaki Ishida.

Pour commencer, je souhaite revenir sur « Ryuusei Kachō », réalisé en 2001 par l'hyper-célèbre Hideaki Anno (« Evangelion ») et diffusé cette année dans le cadre de l'anniversaire de la compétition Labo au Festival de Clermont Ferrand 2011.
http://www.clermont-filmfest.com/index.php?&m=213&c=3&id_film=100040000&o=88

Tiré du « gag-manga » (BD japonaise clownesque, pour faire court) dessiné par Shiriagari Kotobuki en 1996, « Ryuusei Kachō », fiction avec tournage réel (pas d'animation) est un chef d'œuvre nippon du burlesque déjanté. Combinant tout à la fois l'humour japonais (dialogues et mimiques), la construction cinématographique japonaise (cadrage et montage), la plongée dans l'univers « BD » (effets spéciaux pas très spéciaux), le rapport à l'honneur (culture classique) et l'adulation à la J-rockstar androgyne (culture populaire, « visual kei » pour les connaisseurs), « Ryuusei Kachō » parvient à faire toujours la balance entre la dérision et l'hommage, nous faisant en même temps rire de et aimer les sujets qu'il englobe dans son univers délirant. Un film fait avec peu de moyens mais de bons sketches, pour un réalisateur qui n'en est pas à son premier succès dans les autres genres.
Vous pouvez retrouver le film sur ce DVD : http://www.grasshoppa.jp/lineup/lineup_03.html

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A présent, je voudrais vous présenter deux habitués du Festival, présents aussi cette année, qui méritent toute votre attention :
Tout d'abord, Isamu Hirabayashi, qui a aussi réalisé un chef d'œuvre comique avec « Doron » en 2006, un grand succès du court-métrage.
http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=100058394&o=88

« Doron » est personnellement mon grand coup de cœur du court-métrage japonais. Hyper fidèle à la culture japonaise, « Doron » est l'audition d'un jeune comédien spécialisé dans les déguisements … Ce que j'aime dans « Doron », c'est qu'il traverse toutes les tranches de l'humour japonais, du gag de la saucisse au jeu subtil sur la politesse en passant par le grand amour nippon de l'absurde. Réalisé en 2006, « Doron » est sur le site youtube du fanclub.

Le talent d'Isamu Hirabayashi est de toujours parvenir à nous entraîner dans son histoire, et à nous surprendre par le déroulement de cette histoire. Techniquement irréprochables, scénaristiquement uniques, les films d'Isamu Hirabayashi ne laissent pas indifférent ! Vous pouvez ne pas aimer son ou ses film(s), mais ce serait être d'une grande mauvaise foi que de ne pas reconnaître son originalité et son talent de « conteur audiovisuel ».
Pour résumer « Doron », je vous citerais simplement cette anecdote d'une japonaise de passage à Paris, regardant le film en plein air lors d'une projection dans un festival, et qui, entendant le public rire aux éclats, se tourna vers moi en me disant « C'est incroyable ! Je ne pensais pas que les français pouvaient comprendre l'humour japonais ! ». Mais si, mais si !

« Conversation with Nature », réalisé en 2005, est aussi à mes yeux une grande réussite. Le film précise qu'il existait autrefois un moyen de sonorisation pour communiquer avec la nature. « Conversation with Nature » retranscrit la traduction du dialogue entre un être humain et un arbre. Touchant, fait avec peu, « Conversation with Nature » offre beaucoup. L'idée d'une nature qui nous parle et a la possibilité de donner son opinion sur, par exemple, l'être humain ouvre la voie à de nombreuses interrogations.
« Babin » reprend ce thème en 2009. Véritable surprise, complètement délirant, « Babin » raconte la rencontre d'un arbre et d'un petit garçon. Ici, il n'y a pas d'échange possible. Chacun parle à sa façon, mais sans entendre l'autre. Finalement, l'arbre tombe malade. S'engageant davantage du côté de la nature avec « Babin », Isamu Hirabayashi s'écarte trop des hommes.
http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=100072423&o=88

Connu par le festival de Clermont-Ferrand depuis 2003 avec « Helmut », Isamu Hirabayashi revient rapidement avec « Aramaki » sélectionné à la Berlinale 2010, puis avec « Shikasha », sa dernière réalisation, présentée cette année en compétition Labo à Clermont-Ferrand. http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=200014698&o=88

« Shikasha » nous montre des hommes creusant la Terre à la recherche d'une femme et d'un enfant enterrés vivants. Nous les voyons ligotés dans leur cercueil attendre les secours et désespérer. Finalement, les hommes trouvent le cercueil. Qu'est-il advenu de nos deux victimes entre-temps ? J'ai apprécié le regard neutre et détaché de « Shikasha », quand dans un tel scénario on aurait attendu soit une montée en suspense, soit une montée dramatique. Le détachement du film m'a questionné sur la confrontation de l'imaginaire, qui se nourrit de ces montées émotionnelles, avec le quotidien, qui se fonde généralement sur le calme et l'habitude. L'indifférence qui se dégage du film, alors pourtant que les hommes en quête des corps sont expressifs et dynamiques, nous laisse réellement en suspens. Sur une attente inassouvie, alors qu'elle a abouti… Très troublant !

Je vous invite à découvrir ses premiers films (de « Helmut » à « Doron » sur le « youtube » : http://www.youtube.com/user/hirabayashiisamu#p/u

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Ensuite, je voudrais dire quelques mots sur Atsushi Wada, autre habitué qui était particulièrement honoré cette année, avec la présentation de « Wakaranai Buta » en compétition Labo et de « Haru no shikumi » en sélection Sacrebleu (société de production française que je félicite pour son investissement envers le court-métrage japonais !), deux films réalisés en 2010.
http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=200015216&o=88

Tout d'abord, il faut savoir qu'Atsushi Wada réalise des films d'animation. L'animation Grand Public étant devenue hyper codifiée et « attendue », c'est toujours un plaisir de découvrir des animations moins attendues. Atsushi Wada nous offre le meilleur de l'inattendu !

Incompréhensibles au premier abord, ses films semblent n'avoir « ni queue ni tête » ! Pourtant, au lieu de rester perplexe et de passer à côté d'une expérience aussi originale, on peut prêter réellement attention au déroulement et aux péripéties survenant aux personnages, et expérimenter du concret au cœur d'un milieu étrange… Ce qui fait des films d'Atsushi Wada de réelles animations expérimentales et une plongée unique dans le surréalisme pastel.
Particulièrement propices à nous entraîner dans des ambiances absurdes mais consistantes, où nous nous raccrochons à la répétition des mouvements, comme un quotidien qui s'altère tout en restant entier.

Les films d'Atsushi Wada sont de véritables OVNIs, bouleversant tous les codes et transmettant pourtant à plusieurs niveaux : Les oppressions, les mécaniques, les individualités, les risques, les non-risques… Le mouvement, l'arrêt du mouvement, la reprise du mouvement… Très difficile d'exprimer ce que l'on a perçu d'un film d'Atsushi Wada car rien ne peut expliquer le sens que chacun d'entre nous va attribuer à tel comportement ou tel mouvement vu à l'écran. Une expérience unique.

Je vous souhaite sincèrement de voir au moins une fois dans votre existence un film d'Atsushi Wada.
« Hana no hi », réalisé en 2005, est accessible sur le Youtube de Yokohama Art Navi : http://www.youtube.com/watch?v=NwoJLoQQ5Ig

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Il y a deux ans, un autre réalisateur japonais a fait beaucoup parler de lui en réalisant un grand succès de l'animation, honoré par l'Oscar du meilleur court-métrage 2009, le désormais fameux « La maison en petits cubes ».

Le réalisateur Kunio Katō, très célèbre dans le domaine de l'animation courte au Japon, a reçu de nombreux autres prix pour cette réalisation (dont le Grand Prix du court-métrage d'animation au Festival d'Annecy 2008).
http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=100072256&o=88

Histoire d'un homme âgé, maintenant seul, vivant depuis son mariage dans sa maison qu'il faut chaque année monter d'un étage pour empêcher l'engloutissement par les eaux, « La maison en petits cubes » est particulièrement Grand Public et mérite son succès international.
Les films de Kunio Katō, construits sur des modèles narratifs classiques, témoignent généralement de la saveur douce-amère si chère aux japonais. Hyper colorés malgré des pointes de tristesse, empreints d'une mélancolie souriante, les films de Kunio Katō permettent la rêverie et l'attendrissement, même dans ses films les plus engagés comme « The apple incident », le premier qui l'a fait connaître. « La maison en petits cubes » pousse cette mélancolie souriante jusqu'à son apogée, digne des grandes maisons de l'animation comme Walt Disney (introduction de « Là-haut ») et le Studio Ghibli (« Omohide Poroporo »).

Pour voir le site web officiel du réalisateur : http://kiteretsu.robot.co.jp/kunio/index.html

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Si vous aimez les courts-métrages japonais, je vous invite à en découvrir plus sur ce facebook : http://www.facebook.com/pages/Japanese-Shorts/167085426665419

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Il me serait impossible de clore cette page sur le court-métrage japonais sans évoquer quelques réalisateurs qui n'ont pas toujours eu leur place au festival mais méritent votre attention :

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Mirai Muzue (en activité, voir tous ses films sur son site http://web.mac.com/mirai_mizue/iweb/MIRAIwebsite/Animations.html) et Yōji Kuri (production de films entre 1960 et 1981), pour leurs films d'animation expérimentale inclassables, aux univers graphiques très précis et aux ambiances fortes, avec une histoire linéaire et explicite mais amenée de manière étrange et sans dialogues normalement parlés, un peu comme l'a fait Taku Kimura avec « Kudan » en 2008.

Taku Kimura offre une animation plus moderne et moins kitsch, utilisant des techniques informatiques de pointe.
Vous pouvez voir « The midnight parasites » de Yōji Kuri ici : http://www.youtube.com/watch?v=Er27FN9L_8w
Et « Kudan » de Taku Kimura là : http://www.les-courts-metrages.fr/kudan/
J'ai personnellement adoré « Kudan » qui est une réussite technique et scénaristique, tout en étant expérimental et surréaliste. Pas si facile de combiner tout cela !

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Hideo Nakata, le réalisateur de « Ring » et « Dark Water » a, comme beaucoup de réalisateurs, commencé sa carrière par quelques courts-métrages, dont « Yuurei no sumu ryokan » est un succès sans pareille. Une coutume est ensuite née au Japon avec la série des « Ghost Stories », déjà plus d'une centaine de courts-métrages de suspense et d'horreur, qui ont parfois été réalisés par des grands noms du cinéma japonais.

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Dans le milieu de l'animation, ce sont Koji Yamamura, Kiyoji Nishikura, Kenzō Masaoka et Osamu Tezuka, qui sont les réalisateurs de courts-métrages les plus célèbres. Si les trois derniers ont opté pour le long-métrage rapidement en inscrivant l'animation « traditionnelle » dans sa ligne directrice, Koji Yamamura a poursuivi une longue carrière dans le court.

Réalisations de Koji Yamamura, « Suisei » en 1987, « Atama Yama », en 2002 (Grand Prix du court-métrage d'animation à Annecy en 2003) et « Kodomo no keijijogaku » en 2007, ont été remarqués à Clermont-Ferrand.
Par ailleurs, c'est Koji Yamamura qui est responsable de la programmation du Youtube de Yokohama Art Navi (où l'on peut voir un film d'Atsushi Wada).

Quant à Osamu Tezuka, il reviendra très régulièrement au court pour réaliser des films « non conventionnels » ! Ces travaux courts et à très faibles budgets lui permettent d'expérimenter des styles graphiques originaux (comme dans « Tenrankai no e » en 1966) et de concevoir des hommages aux développements historiques du Cinéma, comme dans« Onboro Film » en 1985 ( « Le film cassé » , http://www.clermont-filmfest.com/index.php?m=213&c=3&id_film=100010678&o=88 ) et le très célèbre « La légende de la forêt », terminé en 1987.

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http://www.facebook.com/pages/Japanese-Shorts/167085426665419

Je travaille à promouvoir l'art du court-métrage dans les milieux oeuvrant au soutien de la culture japonaise en France, réseau hyper développé, en tentant d'organiser des projections.
En plein développement actuellement, le court-métrage nippon mériterait bien des créneaux de 2 heures de films, mais où trouver une salle susceptible d'accueillir ces projections ?
J'aurai peut-être la grande chance de bénéficier d'une projection de 30 minutes au sein de « Japan Expo », et c'est déjà fantastique !

En attendant de vous retrouver à la Japan Expo (du 30 juin au 3 juillet 2011), je vous invite à agrandir votre DVDthèque en acquérant :

Les DVD du Magazine « Grasshoppa », volumes 1 à 4 sur les sites de vente en ligne habituels. Volume 3 disponible : http://benippon.com/en/grasshoppa-3-dvd

Les DVD d'Atsushi Wada, de Tochika (light painting) et de Mirai Muzue : http://calf-en.ocnk.net/product-group/1

« La maison en petits cubes » est un film sans paroles, vous pouvez acquérir le DVD original à cette adresse : http://www.cdjapan.co.jp/detailview.html?KEY=TDV-18323D

La compilation Osamu Tezuka est éditée chez « Les films du Paradoxe » : http://www.filmsduparadoxe.com/tezuka.html

Le film de Koji Yamamura, « Inaka Isha », adapté de la nouvelle de Franz Kafka « Un médecin de campagne » est en vente : http://www.cdjapan.co.jp/detailview.html?KEY=DB-184

Pour les fans de pop art, découvrez sans attendre l'œuvre de Keiichi Tanaami : http://www.chaletfilms.com/produit/7609-Un_portrait_de_Keiichi_Tanaami.html

Enfin, une sélection des courts-métrages du Musée Ghibli a aussi été éditée mais est quasiment introuvable.

Pour le reste , Rendez-vous sur http://www.facebook.com/pages/Japanese-Shorts/167085426665419