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Interview avec Sylvain Cruiziat, director of Find Fix Finish

ARFIS, Clotilde Couturier — 2018-02-22T15:08:26Z

Interview with Sylvain Cruiziat, the director of Find Fix Finish, part of the Lab competition at the Clermont-Ferrand Film Festival 2018.

Le court du jour : “Find Fix Finish” de Sylvain Cruiziat & Mila Zhlutenko from ClermontFd Short Film Festival on Vimeo.

Get in touch or tweet us @mydylarama to find out more about the film or get in touch with Sylvain.

Q&A with Dan Hodgson, dir. of Love is Blind at Encounters

Abla Kandalaft — 2015-09-23T10:16:05Z

We caught up with writer/director Dan Hodgson at Encounters in Bristol. His second film LOVE IS BLIND was screened at Encounters and has been shortlisted for a short film Palme d'or at the 2015 Cannes Film Festival.

Can you tell us a bit about how your first short-Are You Albert-came about?

In the final few years of her life my grandma was in a care home with dementia and the idea grew from there. I wrote it up in an afternoon for Film London's short film scheme and although it wasn't selected it did mean that I had a rough draft of the script. After that it was always going to get made.

How did you get into filmmaking?

I've wanted to be a film director since my early teens but I've gone about it in an incredibly roundabout way. Eventually, I did a short film course and in 2009 spent three months on friends' couches for a three-month internship at a production company in London. I stayed there for two years before going freelance in 2011. During that time I've always worked on personal projects but have really concentrated on my own films in the past couple of years. The goal has always been to direct fiction.

How did you fund your first and second shorts?

Are You Albert? was crowd funded, along with a chunk of money I put up myself. I was also able to call in a lot of 'in kind' favours for kit and crew.

Love Is Blind was predominantly funded by my producer Lizzie's production company Bird Flight Films and was supported by another crowd funding campaign.

What conditions/organisations/people would you say where the most helpful in getting the films made?

Film London helped us develop the script for Love Is Blind and their feedback was crucial in creating something that had heart and depth to it.

Not to get all ‘lovie' about it, but I am completely indebted to my producer Lizzie Brown, who is exceptional. Also my DOP Adrian Marciante, who has shot all of my shorts and let's me crash on his couch when circumstances require it!

What were your biggest hurdles?

As I work as a freelance filmmaker, I have access to kit and good connections with crew, so the biggest hurdle is always the money. That and a good producer. Thankfully I found a good producer in Lizzie and so I was able to concentrate on directing.

You are now working on your first feature. Should we expect a similar (comedic) tone to the the shorts?

It's a comedy but the tone is slightly darker than Love Is Blind...

What has been your best festival experience?

We were nominated for a Palme d'or at this year's Cannes Film Festival and so attended the awards ceremony and got the whole red carpet experience. Being in competition at Cannes is pretty hard to beat!

Any films on the festival circuit this year you care to recommend?

I attended Encounters for the first time this year which was terrific, as is LSFF. Less well known in the UK is Emden-Norderney in Germany, which is a really warm and friendly festival.

More on Dan at http://www.danhodgsonfilms.com/

Interview with animator Richard Williams

Ryan Ormonde — 2015-08-29T07:45:28Z

Ahead of Bristol's Encounters Festival, Ryan Ormonde talks with Richard Williams, the award-winning animator, most famous as director of animation on the technically ground-breaking Who Framed Roger Rabbit. Encounters will be screening his new short film Prologue, entirely drawn by Williams himself, as part of their Rise and Fall programme.

An intriguing part of the Disney myth occurs in the chronology at some point between Bambi and Cinderella. A 15 year-old boy has travelled from Toronto to Anaheim, California with a clutch of drawings, mostly copied from the Golden Age cartoons he grew up watching. He circles the walls of the industrial fortress until somehow, with a bit of Disney magic, he is welcomed in, introduced to the artists and Uncle Walt himself, and allowed to stay there for two days to observe everyone at work. His picture is taken for their publicity: young Richard Williams, a shining and prodigious example of the Disney dream.

67 years later, I ask Williams, now renowned for his innovative work on Who Framed Roger Rabbit, what Disney meant then to that wide-eyed 15 year-old. ‘Well it was the most tremendous thing for me as you can imagine,' he replies over the phone, from his home in Bristol, ‘Walt saw my drawings and was very impressed.' But the advice that changed his life was given to Williams by a freelance illustrator who happened to be working at Disney at the time: ‘He finally said “listen, Kid, I know you can do these cartoon drawings and everything, I mean it's kind of impressive.” But he said, “learn to draw, and I mean really learn to draw – not cartoons, not animation. And if you want to do animation, pick it up later, you can always pick it up, but go and learn to draw.” [...] So I went home full of the Disney thing, you see, and about two weeks later, I stumbled into the art gallery in Toronto and there was a room full of Rembrandt and I saw this stuff and I just burst into tears and I realised, “Oh! That's what they mean by art!” And I've never been the same since. So I always wrestled with this – I mean I'm a draughtsman really and it's always been a battle between doing bug-eyed men and real ones.'

Williams made his name as the head of an award-winning animation studio based in London's Soho, specialising in commercials. In 1980, he was filmed for a television programme, while he and his team were working on The Thief and The Cobbler, a project that had already been years in the making and was to be subject to another decade of torturous production, before being taken over by a studio and released in a bowdlerised version that Williams has never seen. In the television programme he says to camera, ‘animation hasn't got as good as Rembrandt's the Man in the Golden Helmet, but it could do.' In 1964, in conversation with Philip Crick for the journal Film Williams is quoted as saying, ‘I'm in the same business as Goya and Rembrandt: I may be rotten at it with nothing of the same quality or talent, but that's my business.'

Now aged 82, Williams sees his new short Prologue as the true beginning of his career as an artist: ‘the first thing in my life that I've felt I'm content with. I couldn't do it any better [...] Everything I'm doing [in Prologue] has never been done. It definitely hasn't been done, even by the guys I admired, [they] couldn't do this. Maybe [they] wouldn't want to! I think they would. I'm into new territory and the only reason I can do it is because of 60 years of immersion.'

When I ask Williams what the impetus was for the new film, he refers me back to that teenager moved to tears in a Toronto art gallery: ‘I've been thinking about this thing since I was 15 [...] It describes an incident in the Spartan-Athenian wars 2,400 years ago. A little girl is a witness [as] warriors battle to the death. There's no dialogue [...] it has nothing of “cartoon” about it, so it's just drawings. [...] I have this rule: If I can't get it on one sheet of paper it doesn't go in. There's no cels, there's no other stuff, there's no other people's work, it's just what I can draw on one piece of paper [...] You're very conscious that they're drawings; they move realistically, they're drawn realistically, but you can see the pencil.' Which is so different from where mainstream animation is headed, right? ‘Absolutely, but it's not to get away from what other people are doing, it's just that I'm doing what I would have done in my early twenties.'

I ask Williams if there are any younger animators he's noticed. ‘I just noticed a Brazilian girl who's won a lot of prizes; her work was at Annecy [International Animated Film Festival] when we were there. [...] Her name is Rosana Urbes - but she's very much an amateur, there's everything wrong with her stuff. But she has natural acting ability and natural charm and a very individual approach and I wish I had her here and I could tell her what to do to make [her work] much better.' Oh yes, I say, you have to meet her. ‘Well I have met her; she was completely drunk,' Williams laughs. ‘She won the award, she was very pleasant, she was a slight little thing and two of her friends had to carry her on the stage because she was so drunk, and she thanked everybody saying “I'm so drunk, I'm sorry but I'm very pleased”. Anyway I met her and she's learned everything from my book – but she hasn't learned enough! If she was sober I'd say let's have a coffee and I'd tell you to read the book a bit better.' He laughs again. ‘But she's somebody who'll be very good, she's a natural. It's marvellous to see somebody with their own individual take on it and all they have to learn is the craft.'

Since publication in 2002, Williams' handbook has become a bible for people starting in animation, later repackaged as a DVD box set featuring in-depth lectures on his process. The title – The Animator's Survival Kit – prompts me to ask Williams if he is himself a survivor. ‘Oh, absolutely! I'm 82! You're talking to an old man!' Is that how you see yourself though? I ask. I know you've been through some ups and downs in the industry... ‘I never expected to have an easy ride. I never had an easy ride at school or when I was growing up, I just figured that was part of the thing.' Is it this ability to roll with the punches that has got Williams to the esteemed position he now occupies? ‘Resilience is the main thing isn't it? What is that old song “into every life a little rain must fall”? The other thing they always say is “this too shall pass” ...so I think it's just how you handle it. ‘I'm so interested in medium and what I feel I can do [...] I've achieved the facility now to fully express myself on my own terms [...] I own this medium now, it's mine, quite apart from what anybody else does, it's mine now and I can do what I want.' That sounds like the best feeling. ‘They can't stop me now!'

Williams really does seem at peace with himself and energised by his new work. He has his own Twitter account and, in a recent tweet, he says that attending a screening of a working version of his former bête noir The Thief and the Cobbler was a ‘very special moment' for him and his wife. I ask what he is working on now, and if it's connected to Prologue. ‘It's related to it but it's separate again. I'm into [animating] funny stuff with women, which I'm enjoying. I'm really, really pleased with [that]. It's almost exactly what I wanted to do.' Speaking of funny stuff with women, I say, do people often ask you about Jessica Rabbit? ‘Oh yeah, yeah...' says Williams, before quickly bringing me back to the present: ‘I've got some stuff coming up that's better than Jessica – sexier! Sexier!' Wow, I say. That's quite a statement, you know.
‘No, no - definitely, definitely' Williams insists, ‘It's close to shocking!'

Encounters Festival runs from 15-20 September 2015 in Bristol
For more info and the full programme, click here.

Q&A with James Webber, Dir. Soror at the British Urban Film Fest

Abla Kandalaft — 2015-08-20T09:28:28Z

Soror is the latest short film from Driftwood writer/director James Webber and producer Roxanne Holman. The film stars Rosie Day, Sian Breckin, James Alexandrou, and Kate Dickie.
"Soror explores the lives and relationships of two half-sisters; Grace, insular and shy but a talented dancer; and Lisa, who dreams of escaping the confines of their upbringing. The close relationship shared by the sisters is the most important part of their lives; the only thing that truly means anything."
It will be screened at the upcoming British Urban Film Festival. James has most recently directed short horror film The Prey.

Can you tell us a little bit about your background and what drove you get into filmmaking?

Ever since I was a kid living in Bournemouth I have been obsessed with storytelling and filmmaking. I used to watch films non-stop and that has never really changed. The films from my childhood fuelled my passion and, as I grew up, I was introduced to films from all over the world. Once I'd left school, I went on to study film at the Arts Institute in Bournemouth and through that, and constantly making shorts, promos and music videos, I was able to relocate to London and eventually work full-time in the industry.

How did The Springhead Film Company come about?

I co-founded The Springhead Film Company with a view to make interesting, challenging and highly visual films. The company is a collective of creatives who all bring their own skills to the table. Having all worked together for a few years, it makes the filmmaking process so much easier. At the moment we are developing our first feature film, a drama called Solitude Country.

Tell us a little bit about your first directing experience on a short?

My first big experience in regards to the size of the production and having a large budget was my short film Driftwood, a sporting drama. It was a hugely enjoyable experience for me as I got to work not only with a fantastic crew but with exciting acting talent such as Neil Maskell (Kill List) and Sam Gittins (Ripper Street). Driftwood was easily the most ambitious project I had attempted up until that point and, for once, I didn't have to cut corners to tell the story I set out to make. When the film was complete it was screened extensively around the world on the festival circuit and was ultimately picked up for distribution and screened on Channel 4. When you make a film, the biggest goal is to be able to share it with the largest audience possible and I certainly feel Driftwood achieved this aim! You can see the making of the film here.

What have been the biggest hurdles in setting up a production company? In getting a short film made and screened?

The biggest hurdle regardless of the level you are working to is finding the budgets to make your project happen. I've been lucky to have been successful raising finance through crowdfunding and this has enabled me to make films in a way I couldn't before. It also means that I had the budget to expand my festival reach.

How do you select your team (producers, technicians, actors)?

When it comes to crew I've been able to build a great team across the last few films. As a director, it is so important to collaborate with like-minded individuals who share your vision and enthusiasm for the project. And of course you always want the best possible cast you can find. I've always been very ambitious with the various actors we've cast. I have never really worked with a casting director so we've always made direct contact with actors/agents ourselves. Luckily, even actors with higher profiles are willing to work on smaller projects if the role interests them.

What do you feel was key to getting your shorts screened at events and festivals?

I guess it comes down to the films themselves - If you do a good job on building a positive buzz behind a film then it will sell itself to a degree. We identified the festivals we wanted to hit before we even shot the film and worked to a very strict schedule in post to make sure that we could hit any deadlines. The team will also create a festival pack that will accompany a film during the submission process.

Can you tell us a little bit more about the idea behind your latest short The Prey?

I wanted to make a film about female stereotypes in horror, to subvert well worn genre conventions and turn them on their head! I had written the script years ago and put it in a drawer. Then last year I came across it and thought I'd take the leap and make my first horror short.

Why the sudden switch to horror?

Having worked almost entirely in drama for the last few years, creatively I fancied a change and do something utterly different. I love most kinds of film especially horror so it was great to finally get to try the genre. It was especially enjoyable working with visual effects and CG for the first time too.

What has been your best festival experience?

Receiving a Coup de Coeur at Cannes for Driftwood which was a complete surprise. It led to a distribution deal for the film and, ultimately, to our Channel 4 screening.

Any films you'd like to recommend currently doing the rounds on the festival circuit?

Three films I've seen recently that I thoroughly enjoyed were Stefan Georgiou's drama / comedy 'Sex Life', Cyrus Trafford's highly visual drama 'The Voice in the Head' and Rob Savage's horror 'Absence.' Definitely keep an eye out for them all!

Finally, what advice would you give filmmakers starting out in the sector?

Don't be afraid to make mistakes. The most important thing is to learn from those mistakes and take that knowledge into future projects. Short films are great for experimenting and finding your feet as a filmmaker before you make that big leap into larger projects.

More information and the full programme of screenings are available on the Urban Film Fest website.

Soror trailer:https://vimeo.com/100701866
The Prey BTS: https://vimeo.com/135847630
James's showreel:https://vimeo.com/87131209

Q&A with film maker Mark Brown, co-director of Corinthian

Abla Kandalaft — 2015-07-16T13:13:27Z

Mark Brown is a screenwriter and founding member of Braine Hownd Films. The P.O.C. teaser of his film Corinthian is currently on the festival circuit, screening at the Reading Fringe Film Festival this week. Mark is also a playwright and has had his plays performed at theatres such as The Old Red Lion, The Kings Head and the Soho Theatre in London.

How as the film company set up?

Braine Hownd Films was set up in 2006 by Phil Haine and myself when we made our first film The Empty Chair. He came up with the name, which is pretty much the first letters of our surnames switched around.

What were the biggest hurdles?

Money and lack of experience to begin with. Experience comes with the doing but money has always been difficult to come by. All of our stuff is self-funded. Partially because we don't like to hang around waiting months for funding bodies to respond and partially because we just don't make films that qualify for a lot of these funds. Whether it's to do with age, subject matter, tone, we have rarely been in the running.

What's the idea behind Corinthian?

I was inspired by several things. Firstly, I wanted to make a purely visual film. Most of my writing is quite dialogue-driven so I wanted to see if I could go the other way. The crux of the idea came from the recession and the lengths you see people going to to provide for their families or to maintain there status within society. So that combined with the fact that David and Victoria are both great dramatic actors that are mostly cast in comic parts. So I wanted to give them an opportunity to show that side of their talent.

Where do you hope to take Corinthian?

I quickly developed a feature film idea that expands on the short and adds in another story strand. The success on the festival circuit will hopefully help us get the money to make that at some point in the next year.

How do you transition between film and theatre?

I came to London to make films. That was always my aim but I fell into theatre and fell in love with theatre. I think theatre helped me find my voice as a writer in a more effective way than if I had gone straight into film. But in regards to differences, there aren't that many for me, as I do things in a similar way in both camps. I like to rehearse and examine the text and I still work with a lot of the people I worked with in theatre and film. I met David (Whitney, the lead actor in Corinthian, ed.) doing my second play over a decade ago.

What advice would you give aspiring film makers?

Surround yourself with good people. Honest people who can do the things that you can't and will tell you what you're doing wrong and what you're doing right. This is why Fred (Fournier, co-director, ed.) and I worked well together on Corinthian. He is much more technically-minded than me and so was invaluable when designing shots and communicating with the crew. And Dan our first AD, a successful director in his own right, was brilliant at telling me straight what we could get time-wise and making sure we did get it on the day.

What has been your favourite festival experience?

Probably going to the Cayman Islands International film festival where we were nominated for Best Short. It was a stunning place and there were people there such as Paul Schrader (writer of Taxi Driver in case you didn't know) doing talks and mingling with everyone at the end of festival party and awards ceremony. I met some great people and got to take Victoria (who is my fiancée as well as my leading lady) and my baby daughter with me. So it was a great family experience as well as a professional one.

What have you found most helpful when it came to building your career as a film maker?

The generosity of facilities houses. More often than not we have gotten great equipment for almost no money due to facilities houses doing us favours. But otherwise I would go back to good people. Work with good people and you will rarely fail.

For more info on Mark and Corinthian, click here.

A couple of interviews from Cannes' Semaine de la Critique 2013

Abla Kandalaft — 2015-04-10T19:31:01Z

Interview with Antonio Piazza and Fabio Grassadonia, directors of Semaine de la Critique winner Salvo.

Interview with Daria Belova, director of Come and Play (Komm und spiel)

Q and A with Chris Shepherd at Clermont-Ferrand 2014

Abla Kandalaft, Elise Loiseau — 2014-02-10T20:15:25Z

Director and writer Chris Shepherd presented his film The Ringer at the Clermont-Ferrand International Short Film Festival.
We managed to catch up with him and have a chat about his foray into filmmaking, drawing on personal experiences, his first trip to Clermont, collaborations with French productions....

his work in animation...

and a Clermont highlight

Catch up with Chris's work on his website:

http://www.chrisshepherdfilms.com/

Q and A with Lukasz Konopa, dir. of "Vegas" Clermont-Ferrand 2014

Abla Kandalaft, Brasserie du Court team — 2014-02-09T16:48:35Z

Lucasz Konopa talks to us about his short film, presented at the Clermont-Ferrand film festival. Thanks to the http://www.labrasserieducourt.com/ team for the footage!

Le court du jour #4 : "Vegas" de Lukasz Konopa by ClermontFdShortFilmFest

Q and A Paris Cinéma 2011

Abla Kandalaft — 2011-07-29T13:59:19Z

Q & A autour des films de la compétition
de la 9ème édition du Festival Paris Cinéma

La Ballade de Genesis et Lady Jaye – Rencontre avec la réalisatrice Marie Losier

Q : Comment s'est passé votre rencontre avec Genesis ?

A : Je n'avais jamais entendu parler de Genesis avant de la découvrir lors de l'un de ses concerts. Peu de jours après et complètement par hasard, je l'ai rencontré à un vernissage. Elle m'a alors proposé de la suivre sur sa tournée et de les filmer.

Q : Comment avez-vous réussi à garder votre identité de réalisatrice face à de telles personnalités ?

A : J'ai choisi de les accompagner avec une caméra légère et discrète (Rolex 16 mm), cette caméra qui n'enregistre pas le son permettait de moins les intimider. Genesis a bien sûr eu l'idée et dirigé certaines scènes, les plus fantaisistes du film. Mais pour le reste, une confiance entre nous s'est installée et elles ont fini par oublier la caméra.

Q : Le tournage du film a duré 7 ans, comment cela s'est-il déroulé ?

A : Il n'y avait pas de budget pour faire ce film. Je travaillais à plein temps à côté pour le financer et acheter de la pellicule. En dehors des scènes de la tournée, où je les ai suivies intégralement, Genesis et Lady Jaye m'appelaient pour que je vienne filmer des scènes de leur quotidien. Parfois c'était moi qui prenais l'initiative. Cette durée de tournage m'a appris à être têtue et m'a permis beaucoup d'expérimentation au fil du temps. Le montage a lui duré un an. J'ai ajouté à mes images des images d'archives de Genesis.

Sur la planche – Rencontre avec la réalisatrice Leïla Kilani

Q : Votre film est baigné de naturalisme mais l'on retrouve aussi beaucoup de codes du polar …

A : Je suis une dingue du polar et du film noir, et j'aime déconstruire et jouer des codes d'un genre de manière irrévérencieuse. Le polar est, je pense, le style qui s'adapte le mieux à Tanger, de par son urbanisme et ses mythes. Par ailleurs, Tanger est une ville à laquelle je suis très liée, c'est la ville de mon imaginaire… Tout ça est à la base de mon film.

Q : Votre film fait beaucoup penser à ceux des frères Dardennes et de Pialat, sont-ils des références pour vous ?

A : Oui, surtout Pialat, le néoréalisme italien, Pasolini, … des films qui s'interrogent sur la mise en scène.

Q : Vos quatre comédiennes ont une interprétation très « rock », comment les avez-vous choisies ?

A : Le casting a été très long, environ 3-4 mois, j'ai vu une centaine de filles en tout ! Je cherchais des individualités. Après avoir trouvé les actrices séparément, il y a eu un long travail de préparation afin qu'elles composent un réel quatuor punk.

Q : Sur quoi diriez-vous que votre film repose ?

A : C'est un film sur l'amitié. Les individus, tout comme la ville, sont en transition. L'autre, l'ami, peut être un embarras mais permet aussi de se construire. Or, mon personnage principal Badia, lui, n'évolue pas, ce qui est rare dans les constructions narratives classiques. C'est un personnage obtus auquel on peut s'identifier, son double lumineux est Inane, une éponge qui absorbe.

Q : Pourquoi le choix de la voix-off ?

A : Dans tous mes films il y a des voix-off. Je suis une littéraire contrariée ! J'aime la voix-off qui ne vient pas en illustration mais qui vient contaminer le film, l'image… On a beaucoup travaillé sur le parlé du personnage, un parlé âpre, hybride du Coran et du rap marocain, qui caractérise si bien Badia.

Curling – Rencontre avec le réalisateur Denis Côté

Q : Votre film est un peu un portrait de personnages en marge…

A : C'est au cœur de tous mes films. Je n'aime pas trop le terme de marginal. Il y a beaucoup de gens comme ceux de mon film, qui vivent dans une bulle de crainte, dans leur propre monde. Mes deux personnages, eux, vont être confrontés à la mort pour aller vers la vie. Il y a dans ma mise en scène du suspens, des fausses pistes comme celles des motards morts, tout ça pour recréer un monde. J'ai voulu faire un film calme et mystérieux sur des gens qui reviennent à la vie.

Q : Les acteurs sont comme leurs personnages père et fille dans la vie, est-ce voulu ?

A : Emmanuel Bilodeau est très célèbre au Québec. Quand il a lu le scénario, il a proposé de le faire avec sa fille. Elle est dans la vie elle aussi rêveuse, le regard absent, ce qui m'a plu. Je trouve qu'elle apporte une bonne énergie au film.

Q : Votre film a été inspiré par La Nuit du chasseur, est-ce que d'autres films sur l'enfance vous ont marqués ?

A : Je ne regarde pas trop les films sur l'enfance, mais j'apprécie plutôt ceux qui sont réalistes avec des enfants dans un monde d'adulte.

Q : Pourquoi ce tigre dans le film, repris aussi sur l'affiche ?

A : Le tigre, c'est un peu le motif de la captivité. En général, j'essaie de faire le moins de métaphore et d'allégorie possible au cinéma. Ce tigre, c'est comme une chose donnée exclusivement à la petite fille, la seule chose qui peut la faire rêver. D'ailleurs, le titre du film Curling, est ironique. Ce sport supposé ennuyeux est la seule chose qui fait rêver le père.

The Prize – Rencontre avec la réalisatrice Paula Markovitch

Q : Comment est né ce film ?

A : L'histoire est en partie autobiographique. Il y a beaucoup de choses que raconte le film qui me sont arrivées et j'ai voulu partager certains de mes souvenirs, des souvenirs, petite, de sensations/sentiments de confusion, que l'on oublie quand on est adulte.

Q : Votre film est aussi basé sur un fait historique, la disparition des opposants politiques en Argentine. Comment a-t'il était reçu, est-ce encore tabou ?

A : Je ne pense pas que ce soit tabou, mais il règne une certaine lassitude à l'égard de ce sujet. Une partie de la jeunesse à exprimer cette lassitude, une autre a été émue par le film, d'autant qu'il prend un angle assez singulier : le point de vue d'un enfant d'à peine 8 ans sur ce moment de l'histoire de l'Argentine. Et je pense aussi qu'au delà du thème politique, il y a quelque chose d'universel dans ce film, auquel on peut s'identifier, le sentiment de disparition.

Q : Vous êtes aussi scénariste du film, comment avez-vous appréhendé l'écriture ?

A : Je suis avant tout écrivaine. J'ai beaucoup étudié et j'ai toujours considéré le cinéma comme de la littérature. La différence c'est qu'au cinéma on travaille en groupe, il y a une collaboration avec les comédiens et l'équipe technique que l'on ne retrouve pas ou peu dans la littérature. Pour ce film, par exemple, mon compagnon a écrit la musique en même temps que moi le scénario. Le directeur de la photo avait donc la musique en boucle lors du tournage, ce qui donne une belle unité au film.

Q : Comment avez-vous rencontré la jeune actrice ?

A : La rencontre a été un miracle ! Je voulais travailler avec les enfants de ce village où j'avais vécu et où a été tourné le film. Ils connaissaient le paysage et y étaient à l'aise. Un an avant le tournage, j'ai fait des ateliers avec les enfants de la classe sans la future Cecia. 20 jours avant le tournage, je n'avais toujours pas trouvé la jeune comédienne, on a donc fini par faire un casting. On a rencontré 15 jeunes filles, et elle s'y trouvait. J'ai tout de suite eu confiance en elle.

Q : D'où vous est venu la scène de « l'enterrement des livres » ?

A : Ma famille le faisait régulièrement, les garder pouvait entrainer la mort. Et petite, j'aurai voulu que mes livres méritent eux aussi d'être enterrés….

La Guerre est déclarée – Rencontre avec la réalisatrice Valérie Donzelli et le co-scénariste Jérémie Elkaïm

Q : Quelle est la genèse de ce film ?

V. D. : L'histoire est inspirée de ce que nous avons vécu, un jeune couple dans le devenir de leur vie et qui vont traverser cet événement, la maladie de leur enfant.

J. E. : On a cherché un angle spécial sans tomber dans la complaisance et le pathos, et on a choisi celui d'une histoire d'amour. C'était l'occasion de faire un film plein d'idéal. On est d'une génération qui manque d'idéaux, de combats à mener qui permettent de s'épanouir. Et ce couple traverse ce combat.

V.D. : Le plus dur c'était de faire un film positif et romanesque, d'où le choix des noms des personnages Roméo et Juliette et de leur terrible destin. On ne voulait pas mettre de suspens sur la mort de l'enfant. Le film démarre avec l'enfant à l'âge de 10 ans, le reste du film étant en flash back, pour ne pas prendre le spectateur en otage.

Q : Le film a été tourné avec un appareil photo numérique, pourquoi ce choix ?

V. D. : On a utilisé un appareil très sensible et discret pour filmer dans la rue. Avant ce film, le musée de la poste m'avait commandé un court-métrage où j'avais pu le tester et j'ai été conquise. Dans ce film, ça nous a permis de filmer dans les hôpitaux et en petite équipe.

Q : Comment fonctionne votre duo ?

J. E. : Valérie est le moteur. Elle créé et a toutes les idées. Moi je suis le contrepoint, on échange les idées à tous les niveaux de l'écriture au tournage.

V.D. : Jérémie apporte aussi sa touche et c'est notamment lui qui s'est occupé des choix des accompagnements musicaux du film.

En secret - Rencontre avec la réalisatrice Maryam Keshavarz

Q : Votre point de vue sur la société iranienne est particulier, pouvez-vous nous en parler ?

A : Je suis originaire de la ville de Shiraz et j'y ai passé une grande partie de ma scolarité, jusqu'à ce que je m'installe aux Etats-Unis. Mais j'ai continué de revenir régulièrement en Iran. C'est de là que vient mon point de vue sur cette histoire, de quelqu'un qui fait des allers retours, et qui n'est pas un point de vue directement et purement iranien.

Q : Cette histoire de famille vous a t'elle été inspirée par la vôtre ?

A : Le cœur de ce film réside dans la famille, des manières dont le frère et la sœur réagissent différemment à une même situation. Et sur la façon dont un régime répressif peut détruire une famille. Quelques éléments viennent de mon propre vécu comme le personnage de l'ancien drogué inspiré de l'un de mes cousins. Mais l'ensemble est majoritairement fictif.

Q : Ce film est très critique envers le gouvernement iranien actuel, comment s'est passé le tournage ?

A : Le film a été tourné au Liban, d'ailleurs je n'ai jamais envisagé de le tourner en Iran. Je ne voulais pas supporter les contraintes du régime qui auraient pu être importantes, notamment en raison des scènes sexuelles et de fantasmes. Les comédiennes principales et moi-même ne pouvons plus y retourner maintenant, alors qu'ils nous l'été possible auparavant, mais nous ne regrettons rien.

La situation des Roms -débat Me, my Gipsy family and Woody Allen

2011-05-23T04:06:43Z

Me, my Gipsy family and Woody Allen de Laura Halilovic a été projeté au Nouveau Latina, suivi d'un débat en présence de Erika Matarella, éducatrice qui travaille auprès de communautés Roms en Italie, Yves Douchin du comité de soutien du collectif de sans papiers de Melun et correspondant pour Rom Europe en Seine et Marne, et Philippe Potentini du Conseil de l'Europe.

Présentations

YD Je suis un ancien élu de Seine et Marne. Nous avons vu vers la fin des années 90 un grand nombre de familles qui arrivaient. Les élus se demandaient s'il fallait les accueillir, ce que le maire a décidé de faire. Nous nous sommes intéressés à une expérience d'intégration que nous avons répété sur maintenant 10 ans. Malgré de grandes difficultés d'insertion, ils ne sont pas différents des autres groupes de migrants.

PP Le Conseil de L'Europe est une institution née au lendemain de la guerre et fondée sur un certain nombre de valeurs et plus particulièrement sur la Convention des Droits de l'Homme. Ce film inspire que le prix de la liberté se paie cher. Je pense au dernier film de Tony Gatlif. Tout en étant une personnalité publique, il est devenu méfiant à l'égard des institutions. Le film illustre les violations des droits de l'Homme dont sont victimes au quotidien les Roms, le droit à la propriété, à la vie privée, à l'éducation. Je ne pense pas qu'une campagne à Paris soit utile ou une bonne idée. J'aime bien l'idée de film de Tony Gatlif, transformé un préjugé en fiction.

EM L'Italie a une situation très similaire aux autres pays mentionnés au Conseil de l'Europe, avec les mêmes difficultés politiques concernant les fermetures des frontières. Il n'y a pas de réelle politique d'accueil. La situation du film est différente car il s'agit de Roms venus du Sud Est de l'Europe qui vivent en Italie depuis longtemps, 40 ans dans ce cas. Il y avait une politique d'intégration. A Turin, par exemple, un projet de logements sociaux a été mis en place.
Ce qu'il y a de beau chez Laura c'est qu'elle croit aux possibilités de réaliser son rêve. Les jeunes filles auprès desquelles je travaille me disent qu'elle ne peuvent croire aux leurs.

Q Les gens du campement ont-ils finalement été expulsés ? et serait-il judicieux de montrer ce film a un tribunal ?

EM Le campement est toujours là. Le film a en effet été envoyé à un juge qui a par la suite dit qu'il ne l'avait pas reçu. Il y a des associations en Italie qui combattent les préjugés mais la seule chose qui fera vraiment avancer les mentalités est le mélange des communautés. Ce n'est pas tellement en regarder le film que le juge serait débarrassé de ses préjugés mais en rencontrant Laura.

Q Que pensez-vous de la situation en France ? Peut-on encore parler d'un pays des droits de l'Homme ?

PP Les mentalités changent progressivement en France. Il y a trente ans, manger une pizza était le comble de l'exotisme. Les choses ont changé mais il y a encore des préjugés. On essaie de trouver des éléments fédérateurs du coup. Pour les Gitans par exemple on peut penser à la musique tzigane. Le Conseil de l'Europe a lancé des initiatives culturelles, comme la « route de l'Europe » à laquelle ont participé hôtels et agences de voyages. La déportation des Roms a longtemps fait l'objet d'une omerta et de nos jours on en parle de plus en plus au même titre que les autres populations déportées.

YD L'outil de défense de l'Etat quand il s'agit des expulsions est l'identité française. On croit rêver quand on connaît l'Histoire du pays. Ces expulsions n'ont même pas atteint l'objectif visé c'est-à-dire le rejet massif de cette population. Beaucoup de gens ont finalement dit que trop c'est trop, ils se rendent compte du gâchis humain et financier. Les Chiliens, les Cambodgiens ont été accueilli à bras ouverts. Pour les Roms, on n'a prévu que du rejet. Un droit n'est pas acquis éternellement, il faut se relayer, dénoncer sans relâche les atteintes à l'idéal que nous avons.

Q Les sondages montrent que le public français soutien l'action de l'Etat. Que faire pour sensibiliser les gens ?

YD La sensibilisation est le travail de tout un chacun. Puis il y a des objectifs à plus long terme. Il y a 18 000 familles Roms et un tout petit nombre bénéficie d'une politique d'intégration mais même celle-ci présente de nombreuses restrictions, surtout sur le marché du travail. On met des obstacles et on essaie au maximum d'empêcher les entreprises de recruter des membres de la communauté ; il faut un titre de séjour au préalable, on exige un temps complet, un CDI, des taxes. Comment cette immigration peut-elle menacer le marché de l'emploi alors que ces immigrés sont pour la grande majorité illettrés. C'est un faux argumentaire pour alimenter le fond de commerce électoral.

Q Quelles est la différence entre gens du voyage et Roms ?

PP Les gens du voyage sont des citoyens français. On considère que les Roms sont nomades mais il y a plusieurs pays où ils sont sédentaires.

Q L'intégration passe t-elle nécessairement par un relogement en appartement ?

PP dans le film par exemple ce relogement est consenti. Il faut savoir qu'il y a une volonté d'assimilation et tant mieux.
Homme Beaucoup d'entre eux sont habitués aux habitations de milieu rural, aux maisons. En Seine et Marne, c'est une ville nouvelle, nous avons une architecture horizontale. Ce sont des pavillons qui avaient été vendus à bas prix car la banque propriétaire avait fait faillite donc certaines familles en ont bénéficié. Mais c'est une loterie.

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