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Le dernier rivage (1959) vo : On the beach de Stanley Kramer

Stéphane MATCHEUMADJEU — 2011-09-18T02:30:38Z

Premier film de science-fiction qui ne montre aucun mort, aucun cadavre en décomposition malgré la menace radioactive. Premier film de science-fiction où les destins des personnages sont scellés sans pour autant voir la mort s'abattre sur eux. Le dernier rivage cultive l'espoir prôné à chacun de ses plans non sans traiter la dure réalité d'un pays condamné par les dérives du nucléaire sur le point de se manifester. Le film entame déjà la survie suite à la guerre atomique qui engendre un compte rebours assez fatal pour les personnes amoureuses de la vie. A la recherche d'un endroit non contaminé par les radiations, le capitaine Dwight Towers du sous-marin le Sawfish parcourt ce qu'il reste du monde pour conjurer le sort qui les attend en compagnie du scientifique Julian Osborn et du lieutenant Peter Holmes.

Pour une fois, les Américains ne seront pas les cartes maitresses d'une possible délivrance, le pays parti en fumée, il en revient à l'Australie de mettre au point des solutions pour ne pas disparaitre du planisphère. A la froideur des villes fantômes réparties sur plusieurs plans d'ensemble large se confrontent les gros plans de bonheur non feint de Moira Davidson en quête d'amour qui se perdure. De la froideur à la chaleur, l'être humain semble s'être oublié pour aboutir à une impasse révélée à chaque parcelle d'un bâtiment vide ou de rues désertées. Une mort froide. Les corps irradiés ne laissent aucune trace, juste une évaporation du plan, une non-existence évacuée avant la première seconde du film. Désormais, la distribution doit se débattre avec leurs propres tourments pour reculer l'inéluctable et jouir d'un moment fort que rien ne pourra enlever.

Si Dwight Towers prend la tête d'affiche, il n'a rien d'un héros, juste un homme réfléchi avec ses fêlures du passé dans lequel il navigue, un homme abandonné à ses fantômes sans pouvoir se raccrocher au présent. Moira Davidson brille par sa dépendance à l'alcool qui la rend si impertinente et libérée. Ava Gardner lui offre tellement de sa personne qu'il serait bien tenter de croire si l‘actrice n'a pas connu des moments similaires de son personnage. La caméra collée à son visage, adopte aussi son comportement tout en ébriété par des plans obliques qui accroît les battements du cœur entre deux personnes qui n'ont plus rien à perdre. Holmes lui pense au futur noir et prévoit des pilules suicide pour abréger ses souffrances mais il est contrecarré par l'optimisme sans faille de sa femme, mère de sa petite fille.

A l'heure où les rumeurs circulent sur la possible apocalypse de notre humanité prévue en 2012 et meurtrie par des catastrophes naturelles comme celles d'Haïti, le cinéma démontre aussi sa capacité à propager le désespoir avec l'économie de ses effets somme toutes remarquables.

Dir : Stanley Kramer, 1959

The Rocky Horror Picture Show (1975)

Kwet — 2011-01-23T11:57:16Z

Réalisé par Jim Sharman, avec Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Botswick, etc...

Il y a parfois des films qui vous semblent tellement géniaux et mythiques qu'on en oublierait presque qu'il est possible que certaines personnes sur Terre n'en aient jamais entendu parler. The Rocky Horror Picture Show (RHPS pour les intimes) est de ceux-là pour moi.

Issu du mouvement des Midnight Movies des années 70, (ces films créés pour les séances de minuit ou plus tard, car trop subversifs voire choquants pour les yeux de la classe américaine moyenne), ce film musical adapté de la comédie musicale du même nom créée à Londres en 1973 a été, à mon grand étonnement, un échec spectaculaire au moment de sa sortie. Jugé trop simple, avec trop de références sexuelles (ce qui de nos jours devrait garantir le succès de n'importe quel film), il fut tout de même le premier de ces midnight movies à être produit par une major, et bénéficie d'un très large réseau de fans à travers le monde qui l'ont élevé au rang de film culte, ce qui lui permet, plus de 35 ans après sa sortie, d'être toujours à l'affiche de nombreuses salles dans le monde entier. Ainsi en France, le studio Galande dans le 5e arrondissement de Paris (studiogalande.fr) le programme ainsi les vendredis et samedis soirs, accompagné de 2 troupes qui en présentent leur propre interprétation pendant la projection (à conseiller aux fans qui connaissent déjà bien le film pour en profiter).

L'histoire, parodie des films d'horreur et de science fiction, peut à peu près se résumer ainsi :
Janet et Brad, alors qu'ils vont rendre visite à leur ami le professeur Scott pour lui annoncer leurs fiançailles, sont pris dans un violent orage. Un pneu crevé les oblige à s'arrêter demander de l'aide dans un bien étrange manoir, où ils sont accueillis par les étranges domestiques Magenta et Riff Raff qui les entraînent dans les festivités décadentes et délirantes qui s'y déroulent. Là ils font la connaissance du Dr Frank-N-Furter, travesti qui dit être « from transexual Transylvania », véritable maître de cérémonie du manoir, et qui va les pousser à rester pour la nuit. Durant cette nuit ils vont créer un apollon blond et naïf du nom de Rocky, manger du motard, se révéler d'une sexualité décomplexée, tout ça pour découvrir que Frank est en réalité un extraterrestre de la planète Transylvania, que ses domestiques vont finir par punir pour n'avoir pas su conquérir ce monde.
Tout se déroule dans une ambiance musicale Rock n'roll, le film pourrait même s'avérer le premier du genre Glam-Rock dans son exubérance et ses ambiguïtés.

Une intrigue aussi délurée que ses personnages, qui va chercher ses références dans les auteurs littéraires et cinématographiques d'horreur, de fantastique et de science-fiction, qui ne se lasse pas de surprendre et de faire rire, des chansons dont on se souvient et qui sont de véritables odes au délire, au sexe, à la drogue, au rock n'roll, des personnages ambigus et délurés, d'autant plus étranges qu'ils en deviennent attachants (pour des raisons totalement inexplicables par l'auteur de cet article tant la phrase « ce scientifique travesti obsédé est vraiment trop chou en fin de compte » perd de sa logique à l'écrit), en bref ce film est un condensé d'envie de s'amuser hors des limites habituellement connues, une ambiance de paillettes et de couteaux ensanglantés et une comédie fantastiquement morbide.
Les acteurs y livrent une véritable performance de jeu, de chant, de danse, de drôlerie, et on y découvre une toute jeune Susan Sarandon excellente, qui n'a pas peur de rire d'elle même et de risquer une image de jeune actrice pourtant peu connue alors.

En résumé, un film cultissime, impossible à rater (enfin sauf si Titanic et Autant en emporte le vent sont vos films préférés, dans ce cas il y a des chances pour que vous n'arriviez pas à apprécier ce film à sa juste valeur...) qui redonne goût aux porte jarretelles et aux orgies rock.

Dir : Jim Sharman, 1975

Cry Baby

Kwet — 2010-09-11T13:50:57Z

Réalisé par John Waters Avec Johnny Depp, Amy Locane, Ricki Lake, Tracy Lord, Iggy Pop, etc.

Un des films les plus connus du délirant John Waters (Hairspray, Pink Flamingos, etc.), certainement grâce à la présence au générique du jeune Johnny Depp, tout juste sorti à l'époque de 21 Jump Street …

Dans cette comédie musicale parodie des années 50 (qui a dit Grease ?) on découvre la ville de Baltimore, partagée entre deux camps : les délinquants juvéniles qui écoutent du rock n roll et portent des blousons de cuir, et les jeunes gens bien comme il faut (les « Coincés » dans la version française, avec cette réplique superbe : « On est coincés et fiers de l'être !! »), issus de bonnes familles et chantant dans les radio crochets de la bonne société. La belle Allison (Amy Locane), perle parmi les Coincées, tombe sous le charme du sexy bad boy Cry Baby (Johnny Depp), chef de gang et fier d'être délinquant juvénile ! S'en suit l'affrontement entre les deux groupes…

John Waters n'a jamais oublié son enfance dans la banlieue de Baltimore, où il était fasciné par le monde des « délinquants juvéniles », terme inventé par les médias à l'époque pour caser tous ceux qui ne rentraient pas dans le moule bien précis de la bonne société. Le film est une espèce d'apologie à la rebelle attitude, un paradis du kitsh assumé et de l'esprit rock n roll, une véritable ode à l'anticonformisme. Comme dans pas mal d'œuvres de John Waters, le maitre mot reste de ne pas se fier aux apparences ni à ce qu'on pensait savoir… À noter la présence d'Iggy Pop qui ne chante pas et de Tracy Lord, absolument géniale, mais très loin de la pornographie !

Concernant le côté « musical » de la comédie, fans d'Elvis et des jazzmen, fans des Chordettes ou des Chantels, soyez ravis ! Les deux groupes s'affrontent surtout en chanson et c'est une petite revue des styles musicaux de l'époque que nous offre le film. Et même si le Rock n roll en sort vainqueur en général, c'est avec un plaisir non dissimulé qu'on écoute une reprise de « Mr Sandman » …

Dir : John Waters, 1990

Gegege no Kitaro

Kwet — 2010-08-26T09:22:11Z

Adaptation cinématographique du manga éponyme de 1965 par Mizuki Shigeru, le film Gegege no Kitaro raconte l'histoire d'un jeune mi-humain/mi-yokai (monstres issus de la culture traditionnelle japonaise) qui se bat pour que les deux peuples puissent vivre en harmonie l'un à côté de l'autre. Dans cette noble quête il est accompagné de son père, ressuscité sous la forme d'un œil sur pieds accro aux bains de saké chaud, Neko Musume la femme chat et Nezumi Otoko alias Ratman…

Le folklore japonais est plein de monstres tous plus étranges et totalement loufoques à nos yeux d'occidentaux… Une ombrelle cyclope, des hommes rats/tortues/chats/chiens, des ogres chevelus et des sorcières des sables, etc. Associez ça à un genre dont les Japonais raffolent, la reprise « live » de mangas, qui nous prouve bien souvent que les effets spéciaux pas chers ne sont pas forcément les plus convaincants (voir Sailormoon Live Action pour les plus courageux ou même juste si vous aimez les chats en peluche qui parlent), et vous obtenez un film (et sa suite) totalement délirant ! Le héros Kitaro a l'air d'un garçon presque normal, si ce n'est qu‘il lui manque un œil, caché sous une chevelure grise qui sert soit d'antenne, soit d'arme de jet et qu'il porte tout le temps une veste fabriquée avec les cheveux de ses ancêtres qui peut s'avérer assez agressive envers ses ennemis…

Vous l'aurez compris, le film ne brille pas par la qualité de ses décors ou de ses effets spéciaux, mais le mélange entre images de synthèse, marionnettes et acteurs réels est assez réussi, et l'histoire liant les problèmes du monde humain (dettes, suicide, injustice policière, etc) avec ceux du monde fantasmagorique (orbe mystérieuse, guerre entre les dieux renards, devoir se cacher aux yeux des humains, etc) est plus construite qu'il n'y paraît au premier abord, certainement car elle est soutenue par la mythologie créée par le manga depuis les années 60 d'une part, et par tous les scénarios différents qui ont pu être inventés sur cette base à travers les adaptations en dessins animés et séries live d'autre part. Je vous laisse le plaisir ou la surprise de juger du style de jeu des acteurs japonais… aux exigences légèrement différentes de celles des acteurs occidentaux…

Au final un film de monstres étranges, délirants et improbables, adaptés aux petits (tout finit bien, à part une légère peine de cœur) ainsi qu'aux grands, surtout ceux qui sont fans de japanimation et de culture japonaise.

Dir : Hiroshi Shidara, 1968

The Cars That Ate Paris (The Cars That Eat People)

Abla Kandalaft — 2010-08-18T08:29:59Z

The Paris in the title is basically Australia's version of Royston Vasey in Peter Weir's uncharacteristically weird ozploitation classic; a small town whose inhabitants cause car accidents to use salvaged valuables and bits of scrap metal as currency. The Parisians fear outsiders nearly as much as they fear the local young people who are running as wild as they can within the confines of the small town. Passers-by, drifters and visitors or either killed or sucked into the Paris community and given an odd job to contribute to the local economy. Such are the fates of brothers George and Arthur. The former dies in the crash while the latter becomes an orderly at the hospital, a job he seems to embrace like it's the most natural thing in the world.
In fact, Arthur just shuffles about like a confused gerbil, seemingly surrendering to whatever fate the Parisians have in store for him. Actor Terry Camilleri is really likable in his portrayal of wide-eyed, endearing Arthur, at times looking so consistently dumbstruck I was surprised he hadn't started drooling half-way through. In fact Arthur is shuttled around like a pawn into various jobs, which he qualifies for by appropriate changes of costume.
The film doesn't really go anywhere and some moments are inexplicably long. However it is best thought of not in terms of storyline, plot or other such devices but as a series of moments and interactions, satirising small town life in a way that is so over the top that nobody could really call it insulting. The film is so decidedly odd that amusing bits seem downright hilarious in context.
The highlight is probably the Paris masquerade ball or dress-up disco night or whatever celebration it is, during which the asylum interns are wheeled out wearing cereal boxes as masks.

Dir: Peter Weir, 1974