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Jack et la mécanique du coeur

Clotilde Couturier — 2013-12-30T11:52:25Z

"Jack et la mécanique du coeur", film de Mathias Malzieu et Stéphane Berla, avec entre autres Jean Rochefort, Olivia Ruiz et Grand Corps Malade, nous emmène à la rencontre de la Musique, de Georges Méliès, de l'Amour, de Paris, de l'Aventure, de Don Quichotte, de l'Imprudence... car "quand à 14 ans on décide de traverser l'Europe pour retrouver une fille, c'est qu'on a le gène de l'imprudence assez développé, pas vrai ?!"

Le 5 février 2014, il sera enfin temps de découvrir « Jack et la mécanique du cœur » au Cinéma. En effet, l'adaptation cinématographique du livre « La mécanique du cœur », publié fin 2007, aura tourné quatre ans dans et entre les studios d'animation. Travaillé longuement, mijoté avec acharnement, mûri avec précision pour un résultat onctueux, le film « Jack et la mécanique du cœur » nous est enfin donné à savourer.

En début de séance avant le film, le clip de Dionysos, dont le chanteur Mathias Malzieu est l'auteur du livre, générique du film avec des extraits à l'image, peut surprendre. N'hésitez pas à le regarder à l'avance : http://www.vevo.com/watch/dionysos/jack-et-la-mecanique-du-coeur/FRUV71300485

Le film d'animation propose donc de suivre l'histoire de Jack, petit garçon « hors normes » et auquel ne seront pas épargnés les affres de l'enfant « différent » : stigmatisation, moqueries, exclusion… Il apprend ainsi à avoir honte et à se méfier de ce qui le rend différent. Ce rapport scénaristique à la dévalorisation de soi-même est particulièrement méritant car il est abordé ainsi au-delà de la règle imposée par un « coupable » et plutôt comme une évidence issue du quotidien de notre héros qui doit évoluer seul au milieu des pressions de la société qui l'entoure. En effet, le personnage de Joe, grand tourmenteur de Jack, est présenté capable d'une grande douceur, et portant une peine sincère, faisant de lui un « méchant » éloigné du manichéisme habituel aux films d'animation.

Evidemment, cette partie est courte par rapport à l'ensemble et l'essentiel du film repose au contraire sur le déploiement de Jack, sur les aventures fantastiques qu'il va vivre en France et en Espagne, et comment Jack parviendra à surmonter sa colère et sa peur pour vivre, enfin, pleinement.

La qualité de l'animation, aussi bien dans les détails, jusqu'aux grains de peau des personnages, que dans la maîtrise technique des « séquences Méliès », est exquise et permet d'apprécier chaque instant et chaque pixel du film.
Le choix artistique du complexe physique générant l'exclusion de Jack est tout aussi méritant : ce qui rend Jack différent, c'est son cœur.

Donc, Jack a un cœur horloge, particulièrement fragile et dont il faut remonter la mécanique régulièrement. Madeleine, obstétricienne-sorcière et chirurgienne de l'opération, prévient Jack de sa grande fragilité face aux émotions fortes, comme la colère et l'amour, et lui impose trois règles de conduite qui rythmeront son existence. Cette fragilité émotionnelle, sensée découler de la forme physique du cœur de Jack, est étudiée dans le film comme une réalité intrinsèque de l'individu influençant elle-même la force physique et psychologique du personnage. Ce n'est plus la mécanique qui fait le cœur, mais le cœur qui fait la mécanique.
Cette réalité ouvre évidemment de nouvelles perspectives à Jack, bien que le film nous rappelle qu'elle a aussi ses déboires.

Ainsi malgré tout, et malgré tous, Jack puise une grande force dans une rencontre particulière : l'Amour qu'il ressent pour Miss Acacia. Perdant sa trace, Jack traverse les épreuves de la vie et repart à la recherche de sa flamme dès qu'il en a l'occasion. Cette quête entraîne Jack, et le spectateur, dans de grandes aventures rebondissantes et dans de belles rencontres humaines. Le film passe vite, les enfants (5-10 ans à la séance où j'ai été) ne trouvent pas le temps long et ressortent, comme nous autres adultes, avec le sourire, la tête pleine de beaux paysages, de grandes émotions et de rêveries quant aux « alternatives possibles ».

Le film montre toujours les choses de manière symbolique et les images sont très douces, même dans les moments sombres. Très dynamique, et peuplé de (nombreuses !) séquences musicales de qualité, « Jack et la mécanique du cœur » peut ravir à tout âge !

Dir : Mathias Malzieu & Stéphane Berla, 2013

The Rocky Horror Picture Show (1975)

Kwet — 2011-01-23T11:57:16Z

Réalisé par Jim Sharman, avec Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Botswick, etc...

Il y a parfois des films qui vous semblent tellement géniaux et mythiques qu'on en oublierait presque qu'il est possible que certaines personnes sur Terre n'en aient jamais entendu parler. The Rocky Horror Picture Show (RHPS pour les intimes) est de ceux-là pour moi.

Issu du mouvement des Midnight Movies des années 70, (ces films créés pour les séances de minuit ou plus tard, car trop subversifs voire choquants pour les yeux de la classe américaine moyenne), ce film musical adapté de la comédie musicale du même nom créée à Londres en 1973 a été, à mon grand étonnement, un échec spectaculaire au moment de sa sortie. Jugé trop simple, avec trop de références sexuelles (ce qui de nos jours devrait garantir le succès de n'importe quel film), il fut tout de même le premier de ces midnight movies à être produit par une major, et bénéficie d'un très large réseau de fans à travers le monde qui l'ont élevé au rang de film culte, ce qui lui permet, plus de 35 ans après sa sortie, d'être toujours à l'affiche de nombreuses salles dans le monde entier. Ainsi en France, le studio Galande dans le 5e arrondissement de Paris (studiogalande.fr) le programme ainsi les vendredis et samedis soirs, accompagné de 2 troupes qui en présentent leur propre interprétation pendant la projection (à conseiller aux fans qui connaissent déjà bien le film pour en profiter).

L'histoire, parodie des films d'horreur et de science fiction, peut à peu près se résumer ainsi :
Janet et Brad, alors qu'ils vont rendre visite à leur ami le professeur Scott pour lui annoncer leurs fiançailles, sont pris dans un violent orage. Un pneu crevé les oblige à s'arrêter demander de l'aide dans un bien étrange manoir, où ils sont accueillis par les étranges domestiques Magenta et Riff Raff qui les entraînent dans les festivités décadentes et délirantes qui s'y déroulent. Là ils font la connaissance du Dr Frank-N-Furter, travesti qui dit être « from transexual Transylvania », véritable maître de cérémonie du manoir, et qui va les pousser à rester pour la nuit. Durant cette nuit ils vont créer un apollon blond et naïf du nom de Rocky, manger du motard, se révéler d'une sexualité décomplexée, tout ça pour découvrir que Frank est en réalité un extraterrestre de la planète Transylvania, que ses domestiques vont finir par punir pour n'avoir pas su conquérir ce monde.
Tout se déroule dans une ambiance musicale Rock n'roll, le film pourrait même s'avérer le premier du genre Glam-Rock dans son exubérance et ses ambiguïtés.

Une intrigue aussi délurée que ses personnages, qui va chercher ses références dans les auteurs littéraires et cinématographiques d'horreur, de fantastique et de science-fiction, qui ne se lasse pas de surprendre et de faire rire, des chansons dont on se souvient et qui sont de véritables odes au délire, au sexe, à la drogue, au rock n'roll, des personnages ambigus et délurés, d'autant plus étranges qu'ils en deviennent attachants (pour des raisons totalement inexplicables par l'auteur de cet article tant la phrase « ce scientifique travesti obsédé est vraiment trop chou en fin de compte » perd de sa logique à l'écrit), en bref ce film est un condensé d'envie de s'amuser hors des limites habituellement connues, une ambiance de paillettes et de couteaux ensanglantés et une comédie fantastiquement morbide.
Les acteurs y livrent une véritable performance de jeu, de chant, de danse, de drôlerie, et on y découvre une toute jeune Susan Sarandon excellente, qui n'a pas peur de rire d'elle même et de risquer une image de jeune actrice pourtant peu connue alors.

En résumé, un film cultissime, impossible à rater (enfin sauf si Titanic et Autant en emporte le vent sont vos films préférés, dans ce cas il y a des chances pour que vous n'arriviez pas à apprécier ce film à sa juste valeur...) qui redonne goût aux porte jarretelles et aux orgies rock.

Dir : Jim Sharman, 1975

Cannibal ! The Musical (1996)

Kwet — 2010-10-03T14:30:25Z

Écrit et réalisé par Trey Parker, avec Trey Parker, Ian Hardin, Matt Stone, etc…

Voilà un programme alléchant : Les créateurs de South Park, une histoire de cannibales, tout ça en chanson…Autant dire que les promesses sont grandes, parce que je ne sais pas pour vous, mais la perspective d'un barbu poussant la chansonnette tout en se grillant un bout de cuisse du voisin me réjouit tout particulièrement !
Et dès l'ouverture, on sent bien qu'on va encore pouvoir savourer l'humour de Parker et Stone…

On nous annonce tout d'abord que le document qui va suivre est un document d'époque miraculeusement retrouvé, retraçant l'histoire du procès de Alfred Packer (Trey Parker), dernier rescapé d'une expédition meurtrière dans les Rocky Mountains en 1874. Packer est accusé d'avoir sauvagement assassiné puis dévoré tous ses camarades d'expédition, mais une journaliste, Polly Pry (Toddy Walters), ne croit pas en la culpabilité du doux et (avouons-le) très simple Alfred… Poussée par la recherche du scoop, Polly va interroger l'accusé pendant une pause durant le procès, et s'en suivent des flash back chantants et désopilants, remontant au tout début de l'expédition.

Si vous vous attendez à un film gore, détrompez vous, les scènes sanglantes tiennent plus du gag que du film d'horreur, et on y retrouve l'humour grinçant d'un épisode de South Park, surtout dans la scène de « massacre » final, avec les running gags et les jets de sang presque fluos pour agrémenter le tout. La comédie musicale n'est pas en reste, loin de là. Tous les aspects des « musicals » classiques sont passés à la moulinette, à peine amplifié pour les plus niais, et on peut ainsi admirer Trey Parker fredonnant des chansonnettes expliquant que les oiseaux chantent, que le soleil brille, que c'est une magnifique journée qui s'annonce, bref tout plein de « oulala-comme-tout-le-monde-il-est-gentil-et-beau-c'est-fou » sur une petite musique country… La fameuse chanson qui équivaut à une déclaration d'amour (oui oui, vous savez tous de laquelle je parle, il y en a une dans chaque comédie musicale) est quand à elle adressée… à un cheval ! Tous les personnages sont des clichés vivants, les gentils étant particulièrement souriants et enclins à l'optimisme et à l'appréciation de la beauté de la vie, et les méchants particulièrement hargneux et sadiques, bêtes et… méchants après tout, c'est leur rôle !

Au final, on ne nous propose pas là un grand film, ni un détournement révolutionnaire, mais on rigole bien, on sent le film fait entre amis et on s'amuse autant qu'ils ont dû s'éclater à le faire, et ça c'est le principal… Conseillé pour toute soirée entre potes, avec du pop corn et une bonne bière !

Dir : Trey Parker, 1996

Cry Baby

Kwet — 2010-09-11T13:50:57Z

Réalisé par John Waters Avec Johnny Depp, Amy Locane, Ricki Lake, Tracy Lord, Iggy Pop, etc.

Un des films les plus connus du délirant John Waters (Hairspray, Pink Flamingos, etc.), certainement grâce à la présence au générique du jeune Johnny Depp, tout juste sorti à l'époque de 21 Jump Street …

Dans cette comédie musicale parodie des années 50 (qui a dit Grease ?) on découvre la ville de Baltimore, partagée entre deux camps : les délinquants juvéniles qui écoutent du rock n roll et portent des blousons de cuir, et les jeunes gens bien comme il faut (les « Coincés » dans la version française, avec cette réplique superbe : « On est coincés et fiers de l'être !! »), issus de bonnes familles et chantant dans les radio crochets de la bonne société. La belle Allison (Amy Locane), perle parmi les Coincées, tombe sous le charme du sexy bad boy Cry Baby (Johnny Depp), chef de gang et fier d'être délinquant juvénile ! S'en suit l'affrontement entre les deux groupes…

John Waters n'a jamais oublié son enfance dans la banlieue de Baltimore, où il était fasciné par le monde des « délinquants juvéniles », terme inventé par les médias à l'époque pour caser tous ceux qui ne rentraient pas dans le moule bien précis de la bonne société. Le film est une espèce d'apologie à la rebelle attitude, un paradis du kitsh assumé et de l'esprit rock n roll, une véritable ode à l'anticonformisme. Comme dans pas mal d'œuvres de John Waters, le maitre mot reste de ne pas se fier aux apparences ni à ce qu'on pensait savoir… À noter la présence d'Iggy Pop qui ne chante pas et de Tracy Lord, absolument géniale, mais très loin de la pornographie !

Concernant le côté « musical » de la comédie, fans d'Elvis et des jazzmen, fans des Chordettes ou des Chantels, soyez ravis ! Les deux groupes s'affrontent surtout en chanson et c'est une petite revue des styles musicaux de l'époque que nous offre le film. Et même si le Rock n roll en sort vainqueur en général, c'est avec un plaisir non dissimulé qu'on écoute une reprise de « Mr Sandman » …

Dir : John Waters, 1990

Glee

Judy Harris — 2010-07-18T03:01:46Z

Swept up in the recent scuffles over representation in parliament (PR/AV/FPTP…) I've been thinking about representation on my little tv. It's clear that of all my machinery the tv is the one least likely to make me ‘think the world more radically'. I expect it to be disgusting, disappointing and particularly muffling- like stuffing a load of sponge in your ears (I'll admit the muffling is especially desirable sometimes).

Glee facetiously claims to rupture the mind-numbing life-scheduling of most teen dramas. Despite it's charade as a mocking assault on reductive stereotyping I wouldn't fault Glee for essentialising every shiny marker of difference paraded by its cast of characters (race, gender, sexuality, disability etc etc) if that was all it pertained to. But what's so awful is that the stereotyping is partial. Glee refuses to archetype certain characters- as if it's impossible for a straight, white, sensitive guy to become a trite cliche . The white heteros are many, they're complicated and interesting. The ‘others' are others- that's their ‘thing'.

Whilst being gay or black is enough of a hook to hang a whole character on, the able-bodied white characters are given contradictions, home lives, conflict and even storylines. Sue Sylvester is fascism with a human face and she's one of the most nuanced and well developed character in the Glee universe, unlike ‘other Asian kid' or ‘wheels' who barely have a character trait between them. Sure, Sue's tough- but she cares about her sister with Down Syndrome! Sue just knows that work makes us happy, that's why she's tough on everyone. Handouts only handicap and Sue's sister is ‘handi-capable'. One workcamp fits all, kiddies- no excuses. Her multi-faceted nature is explored via various camp snapshots – drugging the school principal, dancing with Olovia Newton-John and reading bedtimes stories about teddy bears.

Compare this to African-American songstress Mercedes whose family we've never met. When at last she was given something more to do than act sassy and black her plotline was about her being fat. Luckily for her all it took to reassure her was two white blondes telling her she was beautiful (Quinn the ex-cheerleader and Christina Aguilera). We didn't get to meet Mercedes' mother in the episode where she was taken to the nurses' office- but that was ok because Quinn the Aryan single mother stayed with her instead.

Atop of all this women are constantly deceiving men about pregnancies and paternity (how long is this troubling mysticism of the womb going to maintain such momentum?) and Quinn reveals that only by getting pregnant did she recover from her eating disorder (i.e. a woman's hysteria is cured by motherhood- thank Sigmund!). Fox/Cameron family values abound alongside Young MC in a pseudo-subversive funfest that's reminiscent of The Simpsons. As Mr Schuester explains in an episode all about the nuclear family huddled on the sofa “you can be the life of the party, get drunk til you can't see straight- but you're always gonna feel empty inside until you find a home”.

It's embarrassing to admit that I had high hopes for Glee. I thought it was going to be a postcolonial musical that finally brought together Judy Garland and Frantz Fanon. Instead it's just an even more offensive ode to the living room.